miércoles, 18 de enero de 2017

Dos películas de anime: El Tirador de Otra Dimensión y Zutto Mae Kara Suki Deshita.

El descanso "obligatorio" que me tome en los pasados días me hizo bastante provecho. No solo me recargo las pilas como comenté en la anterior entrada, sino me permitió ver más películas y anime que tenía pendiente. Por supuesto se viene la "mega" entrada sobre el Anime de la Temporada de Otoño, pero antes tengo que terminar con los pendientes que tengo, siendo el más importante la reseña de "Rogue One". Es curioso que siendo un fan de Starwars, haya tardado más de cuatro semanas en hacerle su crítica correspondiente, pero verán a que nivel de enfado y fastidio traía cargando.

Pero mientras voy calentando motores, me enfocare en dos películas que vi de manera reciente, por así decirlo. Una ya la había visto a principios del año pasado mientras la otra apenas me la chute hace unas tres semanas mientras iba en el Metro. Más opuestas no podrían ser, tanto en animación como en historia, pero igual me entretuvieron y curiosamente, tocaron dos puntos que me agradan: el romance medio ñoño pero bien trabajado y una trama de detectives. Sí, hablamos de la 18th película de Detective Conan (El Francotirador de Otra Dimensión) y Zutto Mae Kara Suki Deshita, una animación que proviene de un juego tipo vocaloid.

Así que sin más, a dar la crítica correspondiente al respecto.


-Zutto Mae Kara Suki Deshita
 
Argumento: Natsuko es una joven que esta enamorada de su mejor amigo, Yu. Sin embargo, la timidez hace que se declare para luego retractarse y decir que esta experimentado para declararse en serio. A la par, su compañero de clases, Ayase, también trata de declararse a ella mientras un amigo de él ve con ojos soñadores a la mejor amiga de Natsuko. En fin, una trama que involucra en ver quien sale con quien y en que manera.
 
Comentario: Siento que las tramas románticas clásicas están de vuelta. Luego de que los años pasados vivíamos romances muy extraños y con más pinceladas de amistad o de giros de tuerca (como Toradora), ahora volvemos a esos hilos argumentales donde el drama recae en saber como y cuando será la declaración de amor. Sí, predecible y cursi, pero cuando se sabe manejar bien, deja un buen sabor de boca.
 
Aun me pregunto porque me llegue a descargar esta película. Creo que la sinopsis me medio convenció y por eso igual la deje aparcada por 3 meses hasta que en un momento de tránsito en el Metro me la chute en dos sentadas, dejándome con un buen sabor de boca pese a su primicia tan simple y sus personajes tan estereotipados (aunque su animación y diseño me pareció muy bueno).
 
En sí el argumento es muy sencillo y es donde los protagonistas se tratan de declarar al chico o chica que les gusta y por supuesto, los cuadrados como triángulos amorosos están a la par del día. Sin embargo, cada trama no tiene complicaciones y las parejas que se veían predestinadas terminan por quedar así, sin mayores cambios. Tal vez lo mejor de la película es que sin tener un contexto previo tan potente (es decir, un desarrollo de personajes o de la trama) sabe sacar jugo a las declaraciones haciéndolas bastante entrañables, tanto por la pareja protagonista como la del chico que le gusta la mejor amiga de Natsuko y como luego de recibir un discurso sobre la "valentía", termina declarándose de forma estupenda.
 
Algo que sí me dejo un sabor agrio fueron las canciones. Esta película sale de un proyecto vocaloid, no puedo negar su herencia musical, pero las rolas siento que están metidas muchísimo con calzador y casi como si fuesen un song fic, donde buscan resaltar las emociones o el momento que está pasando, pero que terminan más estorbando. Tal vez la única que no me pareció de más fue la canción que se escucha en el concierto que va la protagonista. Fuera de ello, casi estaba adelantando esas partes porque tampoco avanzaba la trama.
 
En conclusión, "Zutto Mae Kara Suki Deshita" me pareció una buena película, del tipo palomera/romántica que uno puede disfrutar una tarde si no tiene nada más que ver. Pero si buscas algo más novedoso u original, está sí se quedará un tanto corta. Lo destacable es el manejo del romance juvenil sin mayores pretensiones y haciéndolo muy correctamente. Recomendable sí te gusta lo sencillo.
 
 
-Detective Conan: El Francotirador de Otra Dimensión.
 
Argumento: Conan y compañía están en la Bell Tree Tower disfrutando de la inauguración de la misma, pese al miedo a las alturas que tiene Kogoro Mouri. Es cuando una bala atraviesa a un alto funcionario de la Torre, lo cual provoca una persecución por parte de Conan y del FBI para encontrar al sospechoso. Este termina escapando y es cuando el FBI revela su identidad como un francotirador SEAL que se ha propuesto matar en Japón. Con ayuda de la policía y el FBI, Conan comienza a investigar el paradero del asesino y así evitar más atentados que pondrán en peligro la vida de Ran y los demás.
 
Comentario: El año pasado tuve una fiebre muy fuerte de Detective Conan. Esto a raíz de que comencé a ver los episodios doblados en Chile de la serie (que van del 125 hasta el 230, al momento que escribo esta entrada). Esto más que nada me motivo a verme varias películas de la serie, como El Undécimo delantero (la cual tengo pendiente por reseñar) o el Detective del Mar Distante.
 
Lo ideal hubiese sido empezar a ver los episodios subtitulados (ya que ahora el fandub relacionado con la serie es enorme), pero a los filmes, pese a cierta escasez de calidad argumental, les tengo mucho cariño. La razón es que estos fueron mi soporte a principios de la década pasada para seguir teniendo furor por Detective Conan.
 
Como bien reseñe sobre la serie, esta se convirtió en un hitazo en México y Sudamérica a finales de los noventas y principios de los 2000. Sin embargo, el quiebre de la empresa de doblaje en Los Angeles provocó que solo se llegaran a doblar 125 episodios, los cuales se convirtieron en el objetivo de búsqueda de muchos fans, como un servidor. El fansub entonces no llegaba a un nivel altísimo y por eso solo teníamos episodios en castellano de vez en cuando. De allí que las películas fuesen más sencillas y fáciles de ver, al grado que en su momento me chute como cinco hace unos años (Desde el fantasma de Baker Street hasta El Mago del cielo Plateado). Por ello, ver las películas me parecía una nostálgica forma de disfrutar la serie.
 
Pese a esto, no podemos negar lo obvio. Este filme es de los más malitos que me ha tocado ver.
 
Aunque las películas de anime, en especial de cierto tipo de series, se pueden contar como episodios "largos" o como un spin-off, en realidad su calidad argumental siempre suele ser bastante baja. Los filmes de Conan tenían la calidad de ser un poco mejores y que todo se apoyaba en el misterio e intriga. Sin embargo, esta película tiene un vacío argumental terrible, ya que no solo desde el principio anuncian la identidad del sospechoso sino también cuales son sus motivaciones. Esto provoca que Conan se convierte más en un sabueso que en un detective y que en lugar de apoyarse en las deducciones, todo sea un ir y venir con continuas persecuciones y casi como si fuera un action hero (lo cual se nota en la última parte de forma más evidente).
 
No niego que la película es divertida y tiene un ritmo endiablado, pero es como los filmes de Michael Bay, donde las explosiones y los efectos especiales son los protagonistas. Aquí lamentablemente ocurre lo mismo y el misterio es dejado muuuuy de lado, salvo con la deducción que hace Conan para encontrar el objetivo final del asesino. Pero luego de balonazos, golpes y explosiones, no queda mucho realmente. Inclusive en esto el título es tendencioso, ya que esperaba algún truco formidable para que el "sniper" pudiese ser tan preciso, pero todo es en base a su habilidad y ya.
 
Esto al principio no lo noté, pero ya cuando tuve un segundo visionado (que esta vez fue en doblaje latino), la cosa se hizo más evidente. Lamentablemente, salvo por la acción, el resto de la película me parece muy hueca y fácilmente olvidable, salvo por dos detalles.
 
El primero y que podría sonar a chiste es la participación de Ran. Como buena chica pareja del protagonista, lamentablemente le toca siempre ser salvada o meterse en problemas para luego ser salvada. Al principio Ran tenía más empuje debido a su artemarcialismo y su carácter, e inclusive en un episodio resolvía un misterio. Sin embargo, su posición de "florero" ha ido en aumento y peor en las películas, donde le toca ser rescatada. Acá casi veía lo mismo, pero resulta que tiene un papel corto pero genial al final y que me agrado bastante (cierto que Conan es carismático pero Ran es un personaje con mucho potencial).
 
El segundo viene al doblaje, lo cual desato críticas y comentarios. La razón es que fue doblado en México. Los amigos chilenos expresaron su sorpresa ante esto, ya que consideraban (y yo también) que el doblaje chileno iba a marcando diferencia, pese a que de repente tenía voces secundarias venezolanas con baja calidad (en especial en la última temporada). Sin embargo, TMS mando a redoblar la película el año pasado en el país y con un cambio notable. Esta vez Elsa Covian se hizo cargo de la voz de Conan y debo decir que me gusto a medias. No es porque la voz masculina que usa la actriz sea mala (la misma que la de Tsubasa en la serie de Captain Tsubasa 1983) sino porque ya se nota cascada y le resta potencia al protagonista. Fuera de eso, el resto del casting esta estupendo e inclusive quienes suplieron a Don Jesús Barrero por su fallecimiento (ya que el interpretaba a Kenta y otros personajes). Fue por el doblaje que volví a ver la película y me dejo un poco más frío.
 
En conclusión, "El Detective de Otra Dimensión" me parece una de las peorcitas películas de Detective Conan. Increíblemente es mejor que otras de su estilo y es por la acción y cierta dosis de misterio, aunque muy reducida. Sin embargo, me sigue pareciendo un poco desabrida salvo por la "escena final" que es bastante buena en términos de acción y revitaliza un tanto el personaje de Ran, así por el doblaje que me pareció bastante bueno.
 
Recomendable solo si eres un fan de la serie.
 
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 Saludos a mi Ran ^^, así a quienes gustan de este tipo de películas.

Eleanor & Park: empieza bien, acaba mal.

Luego del gusto enorme que me dejo "Fangirl" de Rainbow Rowell, no dude en echarme otra novela de esta simpática autora y lo logré gracias a los libros electrónicos y el fiel dispositivo que debido a su tamaño, puedo llevarlo a todos lados. Claro, nuevamente reitero que no signifique que deje los libros de papel, sino que me ha permitido ampliar mi universo literario y sobre todo, compensar a mi pobre bolsillo que de repente las sufre por temporadas.
 
¿Eso significa que aun Rowell no es de mi entera confianza pese al éxito de Fangirl? Lamentablemente, debo decir que sí y lo peor es que lo confirme con "Eleanor & Park". Antes de lanzarme a la crítica en sí, debo decir que el libro me dejo un sabor de boca un tanto extraño. Por supuesto no voy a juzgarlo con todas las de la ley, ya que es una novela juvenil y que por su portada como sinopsis (la cual es muy breve, pero concisa) tenía una idea de que terruños me metía. Sin embargo, a diferencia de la frescura y diversión de Fangirl, está me pareció más seria y hasta dramática. Por supuesto no me hubiese molestado, pero siento que la autora abuso de este último recurso de manera excesiva y el final no solo no me dejo insatisfecho sino hasta frustrado.
 
En fin, vamos a ver porque más adelante...
 
 
Sinopsis: Son los años Ochentas. Eleanor es una pelirroja con cierto sobrepeso, muy inteligente pero reservada, esto debido a que vive en condiciones bastante paupérrimas con su madre, sus cuatro hermanos y su padrastro, al cual teme y odia. Por otro lado tenemos a Park, un chico mitad coreano mitad norteamericano que tiene una vida tranquila y sin preocupaciones, salvo la de complacer a su padre ex-militar y sacarse el carnet de conducir. Cuando ambos les toca compartir el asiento del bus escolar es como se va formando primeramente una amistad y luego un romance que cambiará el destino de ambos.
 
 
Crítica: He leído en muchos blogs sobre las maravillas que representa esta novela, al grado de verla como un libro perfecto, teniendo una historia original, una narrativa estupenda y unos personajes bien desarrollados. En esto solo puedo estar de acuerdo con los personajes, ya que el resto no me pareció nada extraordinario y hasta al contrario, me parece que Rowell hace un buen trabajo como vendedora de seguros.
 
La primera crítica dura viene con el abuso de dramatismo y que la trama es de lo más cliché y absurda, en especial en su último tercio. Algo que alabe en Fangirl es que la autora realmente se divertía con la historia, partiendo de personajes muy prototipos (la protagonista patosa, el co-protagonista bueno para todo) y de un hilo argumental muy simplón (como una nerd logra abrirse al mundo) para crear una historia muy realista y sobre todo, bastante amena. Al final vemos que los dos acaban juntos, pero él la engaño previamente y ella sigue sin tener más que un par de amigos (muy fieles, pero hasta allí). Nada de una historia de autorrealización o algo por el estilo.
 
En cambio, esta resulto todo lo contrario. El primer tercio del libro lo considero casi perfecto, ya que Park y Eleanor son dibujados con una gran profundidad y claro, con unos enormes guiños freaks (como la música, los comics y libros de los ochentas) que los hacen inolvidables. Aparte, la gestión del romance me pareció muy bien llevada y sobre todo bastante equilibrada, lo cual es difícil ya que Eleanor y su vida tiene muchas más aristas que la de Park. Sin embargo, la autora sabe ponerlo como un excelente contrapunto a la protagonista y hace que ambos salgan bien librados. En otras palabras, son la pareja perfecta.
 
El punto cumbre viene con el tercio medio del libro, que pese a que muchos lo acusan de lento, tiene lo mejor de la historia y sobre todo como pasamos del ambiente lúgubre de la familia de Eleanor al campirano pero divertido de la de Park, donde el padre de este llega a ser bastante carismático pese a su actitud machista de los años cincuenta. Sin embargo, aquí siento que Rowell perdió el rumbo y se decidió por un final excesivamente dramático y hasta diría cruel. Cierto que muchos dirán que es el triunfo del amor, pero los clichés de telenovela eran abundantes a un nivel horroroso (el padrastro dañado emocionalmente, la huida trágica y la escapada con un protagonista que se regresa acongojado pero resignado...).
 
Lo peor es que la estupenda narrativa de la autora también decae y llena estos momentos de muchísima paja, enfocándose en los personajes y sus sentimientos que en hacer una adecuada descripción. En su momento estaba leyendo esta parte de noche y aquí no pude evitar reprimir los bostezos. Y es que ya me imaginaba como iba a terminar todo y no hay ninguna sorpresa. Para colmo, el final es bastante desabrido y aunque quiere darse aires de originalidad, termino por fastidiarme.
 
Otra cosa que se cae igual a pedazos son las estupendas referencias geeks, las cuales en su momento la autora usaba para reforzar la amistad/romance de los protagonistas y que servían de un hilo conductor muy poderoso. El problema es que cuando se pasa al drama, estas desaparecen y la trama se vuelve más genérica, casi como si leyeras otro libro. Esto también tiene efectos sobre los personajes que lejos de mostrar evolución, solo siguen la trama cliché de los eternos enamorados atormentados. Lo anterior que he mencionado lo hubiese perdonado, pero a diferencia de Fangirl, aquí la autora se vio muy predecible. Claro, no puedo ser tan incisivo, ya que esta novela es anterior a la otra mencionada, pero aun así, esto le quita redondez a la obra.
 
En conclusión, "Eleanor & Park" me pareció una novela buena, bastante superior a las tarugadas que se ve en el rubro de novela juvenil, teniendo una narrativa y ritmo muy buenos, con un diseño de personajes prometedor y con un tema que aparenta ser simplón pero que la autora sabe expandirlo. El problema es que no me parece redonda y tampoco una genialidad como afirman por allí. El último tercio me parece muy predecible y hasta aburrido, así con un final muy parco. Por suerte, Rowell se terminaría redimiendo con Fangirl (y de la cual ya hable en otra entrada aparte) y de que forma.
 
Aun con esto, es bastante recomendable, más sí te gusta el género y el romance. Actualmente se puede conseguir por editorial Alfaguara y por un precio que va entre los 10 a 15 dólares. Por supuesto también la versión electrónica y de la cual he tenido el gusto de disfrutar. Por cierto, como dato curioso, el fanart que ronda esta novela es muy bueno y bastante fiel a las descripciones de los protagonistas.
 
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Saludos a mi mujer :3, así a quienes gustan de este tipo de libros.

sábado, 7 de enero de 2017

Band of Brothers: Un libro de Stephen Ambrose

Han pasado casí tres semanas desde mi última reseña. No tengo perdón ni excusa alguna, pero siento que los últimos dos meses han sido demasiado pesados a nivel emocional. Ni siquiera por cuestión familiar o económica, sino que el año pasado llegue a una sobrecarga tan tremenda que me hizo alejarme de escribir. Y es que antes hacer una reseña me resultaba muy terapéutico pero ahora me ocasionaba un estrés tremendo, ya que trataba de hacerla lo más correcta posible y eso me ponía muy tenso. Para empezar, comencé a escribir por gusto y no por complacer a nadie, pero igual que con los fanfics, termine decantandome por esto último y fue lo que me termino friendo el cerebro un tiempo. Por eso opté por enfriar mi cabeza y pensar una forma de escribir sin estresarme tanto.

Una opción era hacer una reseña "ultra" corta, como veo en muchos blogs donde se dice una reseña, una escueta opinión y ya. Eso me parecen "jaladas", así de sencillo. Por ello opté irónicamente por volver a un formato que tenía antes, donde decía ciertos puntos y luego me soltaba a escribir. Lo dejé porque igual me estresaba. Creo que no puedo mantenerme en un formato porque me aburre y aunque rompa las reglas del orden, prefiero hacerlo a mi manera. Punto final. 

Así que espero me salga bien con este libro que termine justo en los últimos minutos del Año Nuevo. Sí, la ventaja de tener el dispositivo a donde sea y es que mientras el resto brindaba por el nefasto Año 2017 que ya tenemos encima, con aumentos y todo, logre acabar un libro que tenía aparcado desde el 2015. Hablo de esa obra que inspiró la genial serie "Band of Brothers" que hicieron HBO, Spielberg y Tom Hanks y que cosechó tantos éxitos hace más de una década (y de la cual me hice un gran fan).


Sobre el autor: Stephen Ambrose fue un laureado historiador norteamericano, que se hizo reconocido por las biografías que hizo sobre los presidentes Eisenhower y Nixon, así como haberse enfocado en los últimos años en hacer varios libros sobre la Segunda Guerra Mundial y así sobre la famosa compañía "Easy" que formaba parte del 506th Regimiento de la 101 División Aerotransportada que combatió en el Día D y en operaciones posteriores como la toma de Bastogne. 

Fue tal el impacto de Ambrose que inclusive Steven Spielberg lo recluto como asesor de las maniobras militares en el Día D en "Salvando al Soldado Ryan". La amistad que ambos formaron fue lo que hizo que Hanks y Spielberg se decidiesen a hacer la mítica Band of Brothers. Lamentablemente Ambrose no alcanzo a ver el éxito ya que falleció un poco antes de su estreno.

Lamentablemente, el autor se hizo famoso hace unos años recientes ya que se señalo que muchos datos que había publicado en sus libros, sea habían sido robados de otros autores o inclusive falsificados, restando credibilidad a lo hecho por Ambrose y que inclusive puso en tela de juicio muchas cosas que igualmente crearon chispas con la serie de HBO (como el afirmar que unos personajes habían muerto y no era así, como eventos que no pudieron coincidir con el tiempo). Sin embargo, el impacto de "Band of Brothers" ha sido tan fuerte que inclusive se trato de emular lo mismo con "The Pacific", sin tener los mismos resultados.
El autor.

Ahora, ¿De qué va el libro?


Argumento: Band of Brothers es la narrativa sobre las experiencias que vivió la famosa compañía Easy, uno de las 6 que formaban el 506th Regimiento paracaidista que integraba la División 101 Aerotransportada. Desde su formación en Campo Toccoa en Georgia hasta su paso por Inglaterra, el desembarco en el Día D y luego su labor como defensores de Bastogne en la Batalla de las Ardenas. Pese a su mala fama, el compañerismo y la unión como calidad de estos hombres, los hicieron ver como de las mejores unidades de élite del Ejército Norteamericano durante la Guerra.


A continuación en forma resumida, lo mejor y peor de este libro, así luego mi justificación.

Lo bueno: 

  • La narrativa de Ambrose.
  • La imparcialidad sobre ambos bandos, donde no sataniza a los alemanes ni tampoco engrandece (en demasía) a sus compatriotas.
  • El factor humano que impregna al libro y que hace a los participantes como protagonistas estupendos de cualquier novela.


Lo malo:

  • La excesiva y horrenda necesidad del autor de hablar en un tono patriotero.
  • La incongruencia en fechas y datos que de repente resultan bastante importantes.
  • El apegarse demasiado a lo que decían los integrantes de la compañía y no ser crítico al respecto.


Cuando estaba leyendo este libro me sorprendió gratamente la narrativa del autor, haciéndolo bastante dinámico, pese a manejar fechas, nombres y batallas por doquier. Esto a la par, le dio una buena dimensión a los integrantes de la compañía Easy. Sin embargo, esto se perdía cuando el autor tendía a difuminar las buenas acciones de esto con sus propias opiniones, llegando a ser demasiado soso o ñoño por momentos. En instantes me recordó a Vassili Grossman con sus anotaciones sobre el frente y que el mismo Antony Beevor criticaba, por dejarse enajenar por la imagen idealizada del soldado y casi llevarlo a un altar. Esto al principio no se nota, pero el último tercio del libro abusa de esto, al grado que el mayor Winters lo pone en un auténtico pedestal. 

Pese a esto, Ambrose no se empecina en criticar al otro bando. En realidad pone a los alemanes como tan buenos soldados como los americanos y que su fe como profesionalismo es brutal, llegando a mostrarlos como auténticos trabajadores más que infantes. Este punto me agrado, ya que de repente ese mensaje tan patriotero del autor pensé que diría que los alemanes eran lo peor del mundo y para nada. 

Los protagonistas, los personajes de Ambrose están bien delimitados y tienen sus cualidades como defectos, llegando a ser más notables estos en el libro que en la serie (mencionando que sí se dedicaban al saqueo, que llegaban a acostarse con las jovencitas alemanas a la primera oportunidad que tenían, etc. etc.) y lo cual me pareció igualmente bueno. Sin embargo, el punto en contra es que las declaraciones de los integrantes están tan bien plasmadas que Ambrose nunca las crítica o compara, tomándolas por cierto (y por lo cual se ganó muchas críticas en años recientes, ya que muchos hechos del libro han sido desmentidos). El caso más sonado es el del capitán Sobel, que pese a sí haber sido un hijo de la guayaba, el autor lo sigue poniendo como un auténtico villano por momentos (aunque igual trata de darle mérito por la formación de la disciplina y calidad de Easy, pero no como debería). 

Sin embargo, el problema más grave es que este libro es más un diario de anécdotas que realista. Las fechas y movimientos no están bien descritos y algunos errados, por lo cual llega a ser confuso. La serie de HBO es un buen ejemplo de esto, ya que sigue la misma estructura del libro y cuando enumera las fechas así eventos, se notan las alteraciones de forma importante. No obstante, la complementación entre ambas es razonablemente buena y ambos se sirven de apoyo uno al otro.

Experiencia personal: Band of Brothers es una serie que le tengo mucho cariño. No solo porque esta genialmente hecha, sino por el año en que la vi: el 2004. Ese lo considero uno de los mejores años que tuve en mi juventud (seh, porque ya soy abuelo cebolleta, jeje), ya que volví a tener cable y esta serie me tocó su estreno por el canal History (cuando era bueno) por primera vez en Latinoamérica. 

Cuando comenzó el boom de la piratería, fue de las primeras series que trate de conseguir en este formato (lo cual conseguí en el 2006 y que aun conservó tales Dvd, pese a tener la serie original, cortesía de mi mujer) y claro, ya con mejor calidad en el 2011. Sin embargo, mi obsesión se enfocó sobre el libro. Lamentablemente en México estaba en chino conseguirlo, así que cuando conseguí el dispositivo, no dude en conseguir el epub, esto hace dos años. Sin embargo, el poco tiempo hizo que apenas el año pasado comenzara a leerlo lentamente y justo lo acabe unos minutos antes de que terminara el 2016. La experiencia fue muy amena, esto por la narrativa de Ambrose, aparte de que me motivo a chutarme la serie una vez más.


En conclusión, "Band of Brothers" es un libro bastante recomendable. No solo por la forma en que esta escrito, sino porque es un estupendo testimonio de la compañía Easy y hace darle un mejor realce a las tropas norteamericanas (las cuales en los libros más actuales las dejan bastante mal paradas). El detalle es que jala mejor como una novela que un libro rigurosamente cierto, por lo cual recomiendo también leerse otros libros al respecto y no quedarse con mitos que implanto Ambrose (y por lo cual ha sido bastante criticado). 

Pese a esto, lo recomiendo y mucho. No puego negar la calidad literaria del autor. Eso sí, en México aun no se puede conseguir en físico, pero eh, el Internet tiene su propia versión y muy fácil de conseguir. 

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Saludos a la dueña de mis quincenas ^^, así a quienes gustan de este tipo de libros. 

martes, 27 de diciembre de 2016

Toradora: El manga de Kamite.

Es raro que este reseñando un manga que aun no ha acabado, pero no podía dejar de pasar esta obra y más con la popularidad que tuvo Toradora a finales de la década pasada, tanto por su anime como por la novela ligera que terminaron acabando en el 2010. Sin embargo, el manga, como muchos de su clase basados en este tipo de obras, aun continua y parece irse por otros caminos o tocar otras temáticas que no se vieron en otro tipo de productos.

Personalmente no pensaba comprarlos en un principio, ya que los mangas de Kamite en su momento me parecían bastante caritos comparados con los de Panini (aunque con el último aumento de precio, casí van a estar a la par, argh). Sin embargo, el manga me pareció una buena forma de enganchar a mi mujer no solo con la franquicia sino con este tipo de arte de nueva cuenta. Y vaya que funciono, ya que cuando vamos a alguna tienda departamental a ver que mangas compró, me mira con ojitos dulces y me dice quedamente "¿Y Toradora?".

Así que sin más preámbulos, vamos directo sobre este manga y también hablar de la franquicia, la cual en su momento comenté en mi añejo fotolog pero es una buena forma de volver a hablar de aquellos tiempos una vez más (como si la nostalgia no fuese el sinónimo de este blog).


Datos técnicos: Yuyuko Takemiya es una reconocida escritora de novelas ligeras. Aunque tuvo un éxito mediano a principios de los 2000, fue con Toradora! donde tocó el cielo. Esta franquicia tiene diez novelas ligeras que fueron publicadas entre el 2006 y el 2009 bajo la editorial ASCII Media Works. Para los dibujos se apoyo en el ilustrador Yasu. Fue tal el impacto de las mismas que un manga comenzó a publicarse en el 2007 teniendo a la misma autora como guionista y a Zekkyo haciendo el arte del mismo. Aun continua su emisión teniendo 7 tomos hasta el momento (los cuales todos han sido editados por Kamite aquí en México).

Sin embargo, fue el anime que disparo la popularidad de la franquicia, el cual inició en octubre del 2008 y termino en marzo del 2009 teniendo 25 episodios, un OVA y 4 especiales. Esto le permitió a la autora seguir en caballo de hacienda y es que luego publico y se hizo anime otra serie llamada Golden Time (de la cual hable buenas y malas cosas en su momento) pero también le dio realce a la carrera de Rie Kugimiya (y de la que igual hable en los principios del blog, jeje). Por cierto, ¿De qué va esto?


Argumento: Ryuji es un joven amable que vive solo con su madre que trabaja en un bar durante las noches. Sin embargo, el hecho de haber heredado la mirada "penetrante" de su padre (un mafioso) hace que la gente se aleje de él, salvo por Midori, una enérgica pero alegre chica que es su mejor amiga (y de la cual esta secretamente enamorado). En una de esas, se topa sin querer con Taiga, una chica que es apodada el Tigre en Miniatura. Esta, luego de darle una soberana paliza, se hacen amigos ya que ella quiere en secreto al mejor amigo de Ryuji, Kitamura, mientras Midori es una buena amiga de Taiga. Así que ambos se unen para apoyarse en sus conquistas, aunque no con los resultados esperados.

Experiencia personal: Toradora! se convirtió en el primer anime en forma que comencé a descargar casi al día siguiente de que salía el episodio. Antes de esto, para ver alguna serie, me lanzaba a alguna convención a comprar los famosos animes piratas (esos que venían en bolsita, antes en caja plastificada) y que era cada vez que alguna serie se me acababa. Sin embargo, luego del "éxito mediano" que tuve con el OVA de Oh My Goddess (donde sale Rind), decidí ampliar esta experiencia con el anime, aunque con algo de desconfianza.

Primero, fue mi necia manera de hacer las cosas, ya que conseguir anime por el medio pirata me funcionaba y segundo, no tenía una buena conexión donde vivía (apenas de un mega de velocidad o menos, ya que la red era comunitaria) y descargar un episodio requería mucha paciencia. Por suerte, el tiempo que pasaba con mi esposa hablando por la red en esos años también lo aprovechaba para descargar el episodio, así que disfrutaba uno de esos entrañables episodios de Toradora! por partida doble.

Sin embargo, tampoco puedo negar que el fandom de aquellos años se puso de locos con la serie y los fandubs como cosplay abundan por doquier. Claro, la manía fue pasando y la serie se volvió un buen recuerdo hasta que Kamite decidió sacar el manga a principios de este año.


Comentario: Aunque Toradora! no tiene un argumento original al respecto (dos amigos que se unen para conquistar a sus amores pero que terminan enamorándose), la forma de manejarlo de la autora es bastante bueno, ya que permite un crecimiento a los personajes y sobre todo una interacción entre ambos que raya en lo genial (y lo cual el manga también ejemplifica de buena forma).

Para empezar tenemos un protagonista masculino que es bastante diferente al promedio, ya que pese a su pinta de maloso, en realidad es un pan y aparte tiene manías un tanto femeninas (como la limpieza y la cocina) esto debido a que convive con su madre que pese a ser el sostén económico, sigue actuando como una niña (ya que siempre anda en ropa interior por la casa, aunque eso no moleste mucho al público masculino). Taiga sí tiene un estándar más parecido ya que es una chiquilla que tiene mal genio y que pese a su carácter, en el fondo es bastante insegura. Sin embargo, reitero que la evolución de estos personajes se da y vemos a Ryuji siendo más independiente y Taiga más femenina, llegando a ser una pareja entrañable al final.

Esto también se contagia a los secundarios, donde Kitamura, Midori y Ami también tienen sus propios problemas y aunque inician igual que los protagonistas, siendo demasiado clichés, los posteriores desarrollos dan a subtramas bastante divertidas y sobre todo con una carga dramática muy importante (lo de Kitamura con la jefa del Consejo es de lo mejor del último tercio del anime - y que en el manga todavía no se toca - dando lugar a una de las peleas más épicas de todos los tiempos). 

Lamentablemente, en el manga el carisma de Ami se ve un tanto reducido y se convierte más en una chica que da mayor a fanservice (el cual hay bastantillo en la obra) hasta el tomo que vamos, ya que pese a tener su trauma con ser perseguida con los fans y su inseguridad de que nadie la acepte tal y como es (cosa que en el anime hacía que le agarrarás cariño, ya que al principio parecía insoportable). Espero que esta situación se vaya arreglando y no termine como una chica florero. 

Algo que me gusto del manga con respecto al anime es que los amigos de Ryuji y Kitamura toman mayor protagonismo y tienen viñetas como momentos que hacen que nos saquen más de una carcajada (como un omake que viene en el sexto tomo). Esto también me gusto y es que el humor se mantiene bastante alto en la obra (cosa que en el anime fue disminuyendo de forma drástica, pasando a ser más dramática que otra cosa). 

La pega más importante al manga es que aun esta manejado de forma muy primaria. Sí, hay evolución y cierta química entre los personajes, pero apenas siendo el tomo 6 es cuando tenemos algo más de dramatismo y es la aparición del padre de Taiga. Esto le aporto cierto dinamismo a la trama, ya que cuando leí los primeros tres tomos me parecieron muy divertidos, pero del 4 al 5 la cosa como seguía siendo muy cómica y con faservice comencé a perderle interés. Tal vez sea de la propia guionista pero aun así me pareció una falta de ritmo terrible y que puede hacer que algunos dejen de leerla por ser medio sosa (cuando en el anime y las novelas ligeras, la cosa es mucho mejor en este sentido). 


Finalmente, algo que me gusto del manga fue más la edición mexicana, la cual respetó al 100% la japonesa, teniendo su guardapolvos y también siendo plastificado, así como la calidad del mismo es bastante buena, evitando que el tomo se quede "doblado", es decir, se vaya deformando conforme uno lo vaya hojeando. Aquí no puedo quejarme de Kamite y porque su precio, entonces, era más elevado que el de otros mangas de la competencia. 

En conclusión, "Toradora!" es un buen manga de la editorial Kamite. Ya me había pasado promocionando los mangas que sacó Panini pero este es una buena opción y que revive un poco la nostalgia de hace unos pocos años. Por momentos el manga sí medio flojea y tiene mucho fanservice, pero el dibujo es bastante bonito (por así decirlo) y mantiene la química entre los personajes principales de buena forma. Recomendable, eso sí, sí tienes algo más de dinero ya que 95 pesos puede ser un buen trancazo. El detalle es a ver cuando sacan el octavo, el cual en Japón, aun no se publica.

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Saludos a mi Taiga ^^, así a quienes gustan de este tipo de mangas.

viernes, 23 de diciembre de 2016

Navidad Made in Japan.

Este año la Navidad me la he pasado como un zombie. No me quejo por la cantidad de trabajo que he tenido en este mes, pero sí de que me estuve enfermando de manera continua al menos por 3 semanas y apenas hace unos días ya tengo mi salud casi al 100%. Esto provoco que no estuviese al "tiro" con la decoración en la casa o que preparara sorpresas navideñas en el blog y otras cosas más. Ahora aprovecho más el tiempo para descansar y relajarme un poco. 

Sin embargo, un tópico que no quería dejar de pasar era este: ¿Cómo celebran la navidad los japoneses? La razón es que hace un mes estaba pasando por el mural que hay frente a la escuela vespertina y allí ponían como celebraban dichas personas este tipo de festividades. Ya sabemos que en México dominan las posadas y que ellas vienen acompañadas de piñatas, villancicos, ponche y otro comida navideña (que va desde los romeritos hasta el pavo). No obstante, tenemos la idea de que la Navidad es así en todos lados y para nada. Japón es un buen ejemplo de que estas fechas se ven de otra forma, pese a estar bastante occidentalizados. Inclusive tienen costumbres muy raras al respecto.

Por lo tanto, ya en vísperas de Nochebuena, esta entrada hablará sobre las peculiaridades que vive aquel país con respecto a esta tradición que es netamente cristiana y aun así, los japos ya han comenzado a hacerla suya...a su propia manera.



-25 de diciembre: día de trabajo normal.

Antes de comentar esto, hay que hacer una pequeña reseña del asunto. A diferencia de muchos países occidentales que toman el inicio del año escolar en agosto/septiembre y termina en mayo/junio del siguiente año, en Japón la cosa no es así. Para empezar, el año escolar comienza en abril y termina en marzo del siguiente año. Hay tres períodos (dos de cuatro meses y uno de tres meses), siendo agosto el mes de vacaciones tradicional (ya que coincide con el Obon, la fiesta tradicional de muertos en aquel país). Invierno hay un período leve de vacaciones y es el que coincide con el Año Nuevo. Este día y el 31 no se chambea, a lo cual se aprovecha para ir al templo para dar gracias o pedir mejor suerte para el siguiente. Sin embargo, el 25 se va a la escuela y se labora normalmente.

Sí, así es. Mientras en casi todo el mundo, el 24 se trabaja medio día y el 25 es festivo (ni se diga la escuela, ya que las vacaciones empiezan una semana antes como mínimo), en Japón no hay nada de eso. Los estudiantes van normales a la escuela y los salary man a su trabajo. Aunque esto se ha querido cambiar, el rígido horario que se maneja desde la escuela no ha permitido esto y aun sigue siendo un día laboral normal (lo cual repercute sobre todo en los extranjeros que viven o laboran en dicho país). 

Entonces ¿Qué hacen esos días?


-24 de diciembre vs. San Valentín.

Aunque el día de San Valentín y The White Day son festividades románticas en Japón, una que rivaliza y de buena forma es precisamente la Navidad o el 24 de diciembre. Para quienes hayan leído mangas o visto animes, verán que es una fecha común para que las parejas hagan planes para cenar o salir por su cuenta, llegando a darse montones de regalos y cenando bajo la luz de las velas. Es en estos días cuando los restaurantes nipones hacen su "agosto" y las reservaciones se llegan a pedir hasta con varios meses de anticipación. Obviamente también los hoteles tienen la misma demanda.

Por supuesto, esta tradición tiende a ser muy aparatosa, lo cual provoca que durante ese período los episodios depresivos se disparen, ya que la sociedad japonesa suele ser muy dura con la gente solitaria y remarcar más la aceptación social (en especial con el hecho de tener pareja o casarse antes de determinada edad). Por lo tanto, la Navidad tiene un concepto mucho más adulto que infantil. Aunque a continuación vamos a ver que no es así todo el tiempo.


-Santa Claus vs. Hotei-osho.

El cristianismo tiene un porcentaje de un 3% en la población japonesa. La religión predominante es el budismo y el sintoísmo. Inclusive, con la revolución Meiji, que buscó menoscabar el poder de estas dos últimas religiones y dar más entrada al cristianismo, por mucho tiempo los japoneses prefirieron la figura del monje Hotei, que es un sujeto parecido a Buda pero con cara sonriente y con varias efigies que indican buena fortuna y regalos. Por mucho tiempo, este simpático monje (considerado uno de los 7 dioses de la fortuna) hizo el papel de Papa Noel o Santa Claus en dicho país, ya que se encargaba de ver si los chamacos nipones eran buenos y aparte tenía ojos en la nuca, con lo cual checaba si no le hacían trampa. 

Sin embargo, con la derrota japonesa en la Segunda Guerra Mundial, la apertura del país se hizo evidente y muchas costumbres occidentales comenzaron a importarse de manera fuerte, entre ellas la del propio Santa Claus, la cual ha ido dominando en los últimos años entre los niños. Claro, otra de las costumbres que se importaron es la que se va a mencionar a continuación.


-El pastel de fresas.

Este es un referente muy típico en lo frikie. A tal grado que hace unos años, cuando estaba soltero, muchos compañeros de armas hablaban sobre comer pastel en estas fechas en clara alusión a lo que veían en el anime. Los postres de origen europeo tuvieron su inicio a finales del siglo XIX, cuando la pastelería francesa se hizo presente en el país (y a lo cual los nipones le agarraron un buen gusto). Sin embargo, esta tradición se ha demostrado que es un poco más reciente y se considera actualmente como el "Christmas Cake", el cual es bastante característico: un bizcocho con mucha crema encima y fresas de adorno. Sin embargo a muchos les parece un tanto azucarado, ya que los nipones tienden a hacer excesivamente dulce su repostería.

Algo triste de esto es que el término de este pastel también hace referencia a los solteros que rebasan los 25 años, en especial las mujeres, ya que es un pastel que debido a su condición, tiende a echarse a perder muy rápido. Por cierto, este postre no es el único platillo exótico de esos años, sino también el que vamos a nombrar a continuación.


-Kentucky Fried Chicken. 

Sí, el coronel Sanders se hace presente y de que forma. Hoy en día es muy común que las cadenas de esta franquicia gringa se llenen hasta el tope de comensales nipones (y extranjeros) o que las colas para pedir pollo frito para llevar estén a reventar. Inclusive el KFC ofrece un menú navideño que llega a incluir el famoso Christmas Cake y debido a su bajo costo con respecto a un restaurante de lujo, se ha convertido en una buena opción (según algunos anuncios el costo va hasta 4,000 yens, lo cual se considera una buena opción para un país tan caro como Japón). 

Todo nació en 1974, cuando en el KFC de Aoyama, un grupo de extranjeros llegaron al lugar pidiendo cantidades industriales de pollo para celebrar la navidad, ya que no hallaban pavo por ningún lado. El dueño de la tienda le pareció una excelente idea ofrecer menús navideños los siguientes años y esto se fue extendiendo a todo el país en poco tiempo. Hay que remarcar que este tipo de carne no es muy consumida por los nipones (prefieren más el cerdo o la res, aunque igual en menor cantidad debido a su costo) por lo cual se considera un manjar exótico y por consiguiente, cuadra bien para aquellas fechas. 

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Saludos a mi esposa, así a quienes gustan de este tipo de fechas. ¡Feliz Nochebuena!

jueves, 22 de diciembre de 2016

Magic Knight Rayearth: sembrando el anime en México.

1996 fue un año clave para la instauración del anime en México ya de forma oficial. Aunque en los Ochentas, series como Robotech o Voltron comenzaron a cosechar semillas que Mazinger Z, Candy Candy o la Rosa de Versalles pusieron, fue hasta que apareció Saint Seiya en 1992 y Captain Tsubasa en 1993, cuando la cosa comenzó a consolidarse.

Sin embargo, siento que quien dio el palazo definitivo, aun antes de la llegada de Locomotion o del bloque de anime de Cartoon Network, fue Tv Azteca con un dorado 96 que nos hizo ver que el anime estaba quedarse. Aunque Televisa trajo batacazos como Dragon Ball Z o Ranma 1/2, estos ya tenían un camino más allanado con los animes de los Aztecos y que para colmo, eran de corte shojo. Sí, hablamos de Sailor Moon y de la que hablaban su rival de aquel entonces, Las Guerreras Mágicas.

Aunque los más jóvenes quieran enfocarse en Digimon vs. Pokémon, pero ya los fans hacían sus luchas desde antes y las dos series para "chicas" de Azteca 7 se estaban dando con todo. Era común que en aquellos años los que veíamos ambas series, nos poníamos a comparar una con la otra. Naturalmente, Guerreras Mágicas salía mucho más beneficiada, ya que tenía elementos shonen muy marcados (poderes, mechas, chicas en minifalda, enemigos poderosos, tramas palaciegas, chicas en minifalda...) y que eran más del agrado de la mayoría.

Sí, en aquellos años las cosas eran distintas. Ahora me volteo a ver y veo que las damas son las que disfrutan y llevan mayoría en estos gustos frikies. Antes no era así, ya que los hombres eramos quienes dominábamos el mercado y ver o conocer una chica de estas características, aparte de ser una fantasía, era sorprendente. Claro, ahora hablo con mi mujer y resulta que ella era una fan de hueso colorado. Creo que como todo frikie, nos faltaba salir y conocer un poco más de mundo.

No puedo negar el impacto de Sailor Moon, pero siendo sinceros, Magic Knight Rayearth dejo escuela y la razón es que mientras las chicas marineras de Takeuchi-san duraron al menos 3 años más en la televisión, Guerreras Mágicas solo sobrevivió 1996. Llegaron a repetirla pero solo hasta el quinto o séptimo episodio y la quitaban. Por eso los "masters" que tenemos en idioma latino de la serie son una calidad media, ya que solo unos pocos pudieron grabarla. No obstante, las aventuras de "Lucy, Marina y Anaís" son recordadas hoy por los fans, un poco más añejos. Cierto, aun con el doblaje medio extraño, también lograron trascender. Así que sin más, vamos a hablar de esta singular serie que dio cátedra en aquel lejano 1996.


Experiencia personal: Como ya había comentado en la entrada sobre Sailor Moon, 1996 fue un año crucial para el anime en muchos aspectos. En un principio parecía que dicho formato estaba condenado al olvido en México cuando Canal 5 retiro Captain Tsubasa de su parrilla de programación y Saint Seiya iba de salida con sus últimos episodios. Sin embargo, los Aztecos parece que quisieron explotar la gallina de los huevos de oro y así apareció la serie de las Sailors Scouts que comenzó a cosechar un gran éxito, no solo entre los fans clásicos, sino entre las propias damas, que entonces era un mercado un tanto relegado.

Los entonces ejecutivos de dicha televisora parecían tener una mejor visión de negocios que ahora, ya que quisieron sacar otras franquicias que repitieran el hitazo de Sailor Moon y así salieron muchos animes, de los cuales destacaron Goleadores y Guerreras Mágicas. Extrañamente, ambas series solo durarían ese año y ya para el siguiente no volvieron a ser emitidas. Si acaso Guerreras Mágicas tuvo al menos 2 o 3 reinicios donde ponían unos 3 a 5 episodios y la volvían a retirar de la parrilla de programación (esto en México, ya que en otros países tuvo más ciclos de emisión). 

La serie la vi desde un inicio cuando fue emitida (en mayo de aquel año) y el dibujo de los personajes como la trama me atrapó al instante. Sin embargo, si algo me pegó y muy duro fue la cuestión del romance. En aquel entonces, los animes no tenían una trama romántica trabajada, ya que eran puros shonens (Dragon Ball, Captain Tsubasa, Saint Seiya) y Sailor Moon rebosaba en un amor cursilón. En cambio, esta serie me llamo la atención porque el romance (el de Fuu y Ferio) estaba bien trabajado y era bastante natural: dos personas se conocen, no se caen bien al principio pero conforme van hablando o dialogando uno se da cuenta de que hay química entre los dos y no tiene que terminar todo con un beso o abrazo, sino con algún comentario bastante picarón (las puntadas de Ferio no tenían comparación). 

Claro, para otros hubiese sido solo un aderezo a la serie, ya que tenía mucha acción, poderes y las chica se veían muy bien, pero en mi plena adolescencia vino a generar una revolución que me hizo cambiar mi perspectiva de las chicas. Ya me gustaban las niñas, pero restringía mucho mi accionar porque creía que solo era para estar en plan romántico. Sin embargo, primera vez que caí en cuenta que con una dama también se dialogaba y se hablaban de temas en común. A muchos les sonará muy normal pero mi forma de ver el mundo no era como el resto y tuve que aprenderlo de una manera totalmente fuera de lo común. 

El carisma de las chicas era innegable.

Para cuando acabo la primera temporada, ya estaba enganchado pero hubo la mala suerte de que la serie la pasaron a Azteca 7 y entonces eso fue un quiebre total, ya que entonces ese canal no estaba disponible en señal abierta en provincia, si acaso en cable y de manera extendida. Así que allí me tienen rogándole a mi padre que contratara un decodificador para tener más canales. Luego de mucho pedir, al fin se logró y pude disfrutar las maravillas de Azteca 7 y como también pasaban Saint Seiya en las tardes (algo que normalmente solo veías en Azteca 13 los sábados y domingos), así de otros canales como el ZAZ que también emitían anime (como Robin Hood o la Novicia Rebelde).

Así pude disfrutar la segunda temporada con todo, aunque luego cambiaron el anime a las 2 de la tarde, en plena comida, así que muchos episodios los tenía que dejar grabando mientras degustaba la comida con la familia para luego salir corriendo a verlo. Esto me permitió ver los episodios con calma y disfrutarlos aun más. El último capítulo, extrañamente lo pasaron al fin de semana y así termine de ver Guerreras Mágicas un domingo de septiembre. Posteriormente dieron una repetición más que iba de lunes a domingo y se acabaron la serie en dos meses. Se vino una tercera emisión y aquí vino mi bronca.

Entonces, por tacañez, no había grabado muchos episodios de la serie y en general, era de forma entrecortada, esto para solo dejar lo importante. Así que ya convencido de mi gusto por la serie, trate de grabarla de forma integra en esa repetición, pero no se pudo. Primero porque tuve un viaje familiar que me impidió ver la serie por una semana y segundo porque Azteca decidió retirarla de la parrilla de forma definitiva. Pero gracias a los retazos que había coleccionado y que vi en muchas ocasiones, no tarde en hacerme fan de esta serie. 

Claro, cuando apareció el Internet en mi vida, no tarde en investigar sobre la susodicha y me di cuenta de que no era el único que la había disfrutado y que el fandom de la misma era bastante grande. Así fue como conocí muchos detalles de la misma que voy a enumerar a continuación.


Datos técnicos: En 1993, la revista Nakayoshi (donde se han publicado éxitos como Candy Candy, Tokyo Mew Mew y Card Captor Sakura) de la editorial Kodansha le pidió a las CLAMP que hiciesen un manga de corte seinen (mercado juvenil-adulto). Sin embargo, las CLAMP preferían algo más del tipo shonen, lo cual generó un conflicto entre ambas partes. Con ayuda de un par de amigos, las CLAMP encontraron una idea y era crear un manga shonen tipo RPG pero con chicas y que comandaban mechas. Inclusive uno de los cuates diseño el mecha Rayearth y con este lograron la aprobación de la publicación de la serie, la cual se empezó a emitir en la Nakayoshi en noviembre de 1993 y terminó en febrero de 1995, recopilando 3 tomos en total. 

El éxito que tuvo la serie impulsó a la creación de un anime el cual salió en octubre de 1994 y terminó en marzo de 1995, el cual fue producido por Tokyo Movie Shinsha (hoy TMS) y que tuvo una duración de 49 episodios. Esta serie también tuvo una gran recepción lo cual provocó que las CLAMP volviesen a la carga y realizasen una segunda parte del manga el cual seguía el "plot" de la segunda temporada del anime pero luego tomaba un camino muy diferente.

La guionista del anime como del manga e integrante de las CLAMP, Nanase Ohkawa, refiere que tuvo problemas para escribir la trama de la segunda parte del manga, ya que en un momento no supieron como manejarlo de diferente manera y por eso terminó de forma bastante abrupta (aunque también recopilo 3 tomos). 

El manga se convirtió en uno de los primeros trabajos que llevo la Editorial Tokyopop (entonces Mixx) en 1997 en 6 tomos tipo cuaderno. Debido a los contactos de esta revista con la Editorial Vid, esta también llegó a sacar el manga, aunque no de manera completa aquí en México (llegando a costar entonces entre 45 a 60 pesos por tomo y que incluía aparte una sección dedicada a Sailor Moon). En España apareció por cortesía de Planeta De Agostini en 1996 y se le titulo como "Luchadoras de Leyenda" (inclusive en los mangas de Starwars hay anuncios de la serie al respecto).

En México, aparte de la edición de Vid, también salió una a color por parte de la Editorial Toukan (esto aprovechando el éxito que había tenido el anime), que trato de replicar el batacazo que había tenido con su adaptación de Captain Tsubasa. Sin embargo, apenas lograron sacar 4 tomos, ya que hubo un lío legal entre editoriales por supuestos malentendidos. 

El anime en México fue emitido entre mayo y diciembre de 1996 de manera continua, teniendo al menos dos repeticiones completas y una que se quedo en los primeros diez capítulos. Hubo tres intentos de reponerla, esto en 1997, luego en 1999 y una última en el 2000, donde apenas llegaron al episodio donde Marina se enfrenta a Alanis en la búsqueda de su Mashin (Genio). El doblaje estuvo a cargo All Post, una empresa de doblaje ubicada en Los Angeles, EUA. Las diferencias entre el anime y el manga, así como el propio doblaje, generaron un montón de chismes, rumores y mitos que voy a enumerar más adelante.

Por cierto, para quienes no la han visto, ¿De qué va esta serie?


Argumento: Hikaru, Umi y Fuu son 3 estudiantes de secundaria que van en diferentes escuelas pero que estas coinciden en una visita escolar a la Torre de Tokio. De repente una luz misteriosa aparece y las susodichas son transportadas al mágico mundo de Céfiro, donde se encontraran con Clef, un mago muy poderoso y antiguo consejo de la princesa Esmeralda, soberana del lugar y la cual ha sido raptada por Zagato, su líder militar. Clef encomienda a las extrañadas chicas que se conviertan en las guerreras mágicas y así puedan derrotar a Zagato y traer a la princesa Esmeralda de vuelta para que siga manteniendo la estabilidad de Céfiro. 


Comentario: Guerreras Mágicas es de los mejores animes que he visto en toda mi vida. Así de conciso. Pese a que el diseño de los personajes se ubica en lo shojo, la historia en sí es un shonen (la misma Mokona, una de las CLAMP, comentaba que era una especie de RPG donde los protagonistas van ganando experiencia y poder conforme van peleando) pero adosado con un cierto grado de comedia, de romance y de un poderoso existencialismo, que sobre todo marca la segunda temporada. Pero algo que el anime tenía como plus es que expandió algunos conceptos muy vagos del manga y que aparte agregaron personajes mientras otros modificaron su destino, haciéndolo mucho más trabajado (como el caso de Alanis). 

Si a esto agregamos un diseño de personajes muy fiel al manga (preciosista) y con una animación bastante buena, aparte con una música de altísimo nivel (de corte sinfónico y con unos toques formidables) cortesía de Hayato Matsuo (que no solo destaca cierto leimotiv que se repetía constantemente, sino el score de la batalla final que es brutal), este anime lo tenía todo y por algo fue tan emblemático en aquellos años e inclusive hasta la fecha. Todo gracias a esta combinación que ya he comentado de forma reiterada.

Pero eso no es todo. Esta idea tan original hacía que este anime me pareciese mucho mejor que Sailor Moon, teniendo no solo un mejor ritmo y desarrollo, al grado que cada capítulo me gustaba más que el anterior, amén de agregar villanos carismáticos y claro, entregando uno de los mejores malos malosos de todos los tiempos y que en esos tiempos, vino a revolucionar el concepto de un villano. 

Generalmente la mayoría de los malos que nos plantearon en los años ochentas y principios de los noventas eran muy al estilo del Comandante Cobra o de Mun-ra de los Thundercats: sujetos viles, crueles, poderosos pero que eran así solo porque sí y que solo ambicionaban conquistar el mundo. En cambio, Zagato era diferente y es que él asumió dicho papel solo para estar con Esmeralda, ya que el amor estaba prohibido para un pilar, pero él no podía resignarse a esto. Esto no solo creo un enorme shock entre las protagonistas sino también ayudo a crear una trama complejísima que en el anime se trabajo de forma soberbia (no tanto así en el manga, llegando a ser mucho más ambiguo y poco contundente). 

Aquí es donde diría que la segunda temporada viene a ser el "Padrino II", ya que esta mucho mejor trabajada, más compleja y los personajes nuevos son brutalmente carismáticos, empezando por Lantis, el hermano menor de Zagato (y sueño idílico de muchas chicas de aquellos años), así por Eagle Vision, las princesas de Cizeta y Aska de Fahren, que dieron lugar a muchas tramas interesantes y a lo más divertidas, aparte de seguir insistiendo en las motivaciones personales y como estás no eran tan dispares como las de auténticas personas. 

El problema es que muchos criticaron la aparición de Deboner (no así de Nova), ya que la serie paso de ser un anime más complejo a de repente tomar un aire demasiado shonen. La villana es un malo de cajón que solo busca dominar y destruir Céfiro sin mayores detalles. De forma personal esto a mi me gustó y me permitió disfrutar mucho los episodios, ya que esperaba una formidable batalla final y algo mucho más tradicional, aunque otros tantos se quejaron de que esto le restaba profundidad a la serie. Esta misma queja se replico en las CLAMP y eso motivo que la segunda parte del manga no se terminase como ellas quisiesen (y es que aunque el final de la primera temporada era poderoso, el haber hecho una continuación implicaba restarle la culpa y el dolor que tuvieron las chicas al destruir a Esmeralda). 

Esto se hablo mucho en los foros que existían sobre anime a principios de la década pasada y por eso la serie fue perdiendo un tanto de fuelle entre los fans. Y es que la misma complejidad de CLAMP comenzó a manifestarse con esta serie. Claro, en su momento le sirvió para que Guerreras Mágicas fuese una serie muy aplaudida y bien recibida, pero que luego no pudieron mantener su nivel tanto en el manga (y algunos dicen que en el anime). 

Sin embargo, este anime junto con Card Captor Sakura y X, vinieron a ser la etapa cumbre de sus creadoras. Cuando comenzaron a irse por un terreno más existencialista (como XXXholic o Tsubasa Cronicle) la cosa se fue directamente al caño, ya que el trabajar esto requiere mucha pericia o avocarse a una solución sencilla (cosa en lo cual de repente las CLAMP han llegado a patinar y mucho). Y es que Guerreras Mágicas aun fue hecha con un "plot" sencillo y tenía una línea argumental que iba hacia algo shonen (batallas y villanos a vencer). Esto se perdió por unos momentos en la segunda temporada pero que al final se recuperó de buena forma. 
Comedia y romance (pobres de los chicos).

Otra cosa que también le dio realce, tanto positivo como negativo fue el doblaje. Este fue hecho en Los Angeles y la política que seguía la empresa es que los nombres debían latinizarse e inclusive se hicieron modificaciones sustanciales como el cambiar la voz de Eagle Vision para que fuese mujer. La razón es que el anime siguió fielmente algo propuesto por las CLAMP y era cierta relación homo-homo, no solamente entre Geometron (el segundo al mando de la NSX) sino con el propio Lantis. Cuando uno escucha a Águila en idioma latino, esta relación entre los personajes queda bastante bien, pero cuando la escuchas en idioma original, la cosa le pone a uno los pelos de punta. Esto causa un shock enorme entre muchos fans que se desilusionaron con este personaje, ya que parecía ser una "chica" decidida y fuerte para aquellos años. 

Sí hablamos de doblaje, también comentamos del opening que fue doblado y que su estribillo actualmente genera mucha grima entre los fans, cuando un servidor le parecía bastante bueno (aun hasta la fecha). Pero tampoco podemos negar que los openings y endings que tenía esta serie eran bastante buenos (en especial el tercer opening, que inclusive ha sido fandubeada con bastante éxito con cantantes como Jessica Toledo).

Para terminar, uno de los más aspectos que más me gustaron de la serie y que lo mencione al principio, fue el romance. Este era mucho más trabajado y sobre todo no en base a lo cursí visto en los shoujos convencionales, sino en una química que había entre los protagonistas, inclusive los triángulos amorosos (como el Ascot/Umi/Clef) se veían bastante bien pese a que no trabajaron mucho la relación con el propio Clef. Y es que cada personaje era entrañable (de allí que la muerte de Águila también fue bastante emblemática). 

En conclusión, "Magic Knight Rayearth" (o Guerreras Mágicas) es de los mejores animes que me ha tocado ver. Y es que lo tenía todo: historia, personajes, animación, diseño, música, romance y mucha acción así como una dosis de madurez bastante alta por momentos. Creo paradigmas y aun hoy en día Zagato es considerado uno de los primeros villanos "grises" del anime. Esta serie fue de las primeras piedras que ayudaron a cimentar la fama de las CLAMP (y que más tarde se consolido con Card Captor Sakura). A tal grado llego su fama que inclusive el doblaje (polémico para los más puristas) no le resto capacidad para generar fans. 

Fuu.

Tal vez el problema es que los puristas actuales consideran mejor el manga y que como lo manejaron las autoras fue mejor que en el anime. Esto me llega a sacar un poco de quicio, ya que considero al anime como una de las mejores adaptaciones y desarrollos alternos. Cierto que sí lo comparamos con la obra original de las CLAMP se vuelve muy simplona en su final, pero creo que no había mejor forma de acabarla. 

Para finalizar, debo decir que esta serie marco mucho de mi vida. Ya lo comenté previamente, pero no puedo dejar de reiterarlo y sobre todo con las entradas que hice con cada una de las protagonistas (motivo por el cual no ahondé mucho al respecto en este punto). Fuu se convirtió en un referente femenino y en un modelo. De allí que me gusten las chicas con lentes o con cierto carácter más reservado. Tal vez sonará exagerado hoy en día, pero el anime de los noventas me marcó de una manera u otra y este fue uno de esos mayores pilares. Lástima que las CLAMP luego de dos éxitos más, ya no pudo refrendar esta calidad.

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Saludos a mi propia Fuu :3, así a quienes gustan de este tipo de anime.

miércoles, 21 de diciembre de 2016

Acción y comedia a montón: Tropic Thunder y Rambo II

El cine bélico de los Ochentas, de origen gringo, tuvo una gran influencia en un servidor cuando era niño, muy en especial las de la saga "Rambo". No faltaba un fin de semana que no viese alguna escena de la segunda o tercera película, al grado que en su momento llegue a confundirlas e imaginaba a Rambo combatiendo en Afganistán contra un montón de soldados vietnamitas. En fin, que fue hasta hace pocos años que logré verlas de corrido y ya con una corrección en mi percepción.
 
Lamentablemente y pese al relativo éxito de la cuarta película de Rambo, se nota que el cine de aquellos años se fue apagando en la década pasada hasta que llegaron "The Expendables", que le dieron una bocanada de aire fresco a este género y volvimos a disfrutar películas con amplia cantidad de muertes, balazos y mucha acción con alto nivel de testosterona.
 
Por este motivo, aproveche una vez más para chutarme Rambo 2 ("Primera Sangre, parte 2") y otra que no tiene nada que ver, pero a la vez sí. Hablamos de esa extraña pero sorprendente película del 2008 llamada "Tropic Thunder" y que fue tan potente que inclusive Robert Downey Jr. estuvo nominado a un premio de la Academia por su interpretación.
 
Así que sin más, vamos a hablar un poco del cine tipo "Rambo", en todos sentidos.
 
 
 
-Tropic Thunder (Una Guerra de Película).
 
Argumento: Tugg Speedman es un actor de películas de acción que ha venido de más a menos en los últimos años. Queriendo alejarse del encasillamiento, decidió rodar una película sobre un chico discapacitado que resultó ser un fiasco. El que considera su rival, un actor del método, Kirk Lazarus, lleva incontables premios de la Academia y ahora juntos van a protagonizar una película sobre la Guerra de Vietnam junto con un actor cómico drogadicto (Jack Black), un rapero (Brandon T. Jackson) y un novato (Jay Burachel). Sin embargo, las fricciones entre los protagonistas provocan que el director (Steven Coogan) los lleve a un lugar lejos del set, esto con el fin de potenciar las actuaciones de sus protagonistas....aunque con resultados poco satisfactorios.
 
 
Comentario: Esta de plano es la película que más he tardado en ver. Sí, más de 8 años. Y es que desde que vi el poster como el tráiler, me propuse verla con mi esposa (cuando éramos novios) pero debido a que estaba clasificada como "R" y las escenas de violencia como de otro tipo estaban bastante marcadas, la tuve que dejar para el formato doméstico. Posteriormente, cuando estaba en la residencia, había un videoclub cerca de donde vivía y allí tenían el poster de este filme. Varias veces pensé en ir a alquilarla (el dueño no pedía credencial, ya como un signo del declive de este tipo de negocios en aquel entonces) pero siempre me ganaban la flojera o la tacañez.
 
Paso el tiempo y fue hasta el año pasado cuando al fin me la descargue en el famoso formato libre de impuestos, pero oh sorpresa, tuvo que pasar otro año para que hace unos meses, ya al fin venciendo mi desidia, decidí ponerla mientras limpiaba la casa. Y vaya sorpresa que me lleve (en el buen sentido de la palabra).
 
Este tipo de películas tienen el sello de Stiller por todos lados. Aunque en su momento Adam Sandler y Ben Stiller me parecieron pan con lo mismo (actores judíos con tinte cómico, tirando hacia lo grotesco), con el paso del tiempo se fueron yendo en diferentes direcciones (aunque este último año parece que confluyeron en el punto de lo idiota y estúpido). Mientras Sandler se impregnaba de los tópicos ochenteros y de la comedia romántica barata, Stiller seguía una línea paródica muy característica, demostrándolo con películas como Zoolander y el Padre de la Novia, así con pequeñas joyas como Mitty. Zoolander es el mejor ejemplo de como Stiller trabaja una línea argumental y la hace engrandecer al grado de hacerla verdaderamente cómica pero a la vez un tanto crítica. Tropic Thunder sigue ese mismo trayecto pero con las películas de acción.
 
La trama es bastante sencilla pero se mantiene: Speedman es el típico actor que quiere ser reconocido por sus dotes actorales más que por la cantidad de testosterona que despide. Sin embargo, su incursión en el drama es muy crítica por lo cual trata de hacer una película de acción pero con tintes dramáticos, muy al estilo de Platoon o Apocalipsis Now. Sin embargo, comparte créditos con un actor multipremiado y que resulta ser cuasi una copia de Marlon Brando (y del propio Downey Jr., irónicamente) lo cual genera mucho conflicto. Si a esto agregamos a la copia de Eddie Murphy (interpretado por Jack Black) y los típicos actores clichés de cajón (un cantante queriendo ser actor y un novato-novato), esto hace que la primera media hora de la película sea cómica a morir pero también con un toque de ironía y cinismo que la hace aun más divertida.
 
Esto es lo que me gusta mucho de las películas de Stiller, ya que sabe poner el dedo en la llaga y con comentarios así referencias crítica de manera sutil paradigmas y complejos que se viven no solo en el cine de Hollywood, sino con los propios actores (incluyendo sus problemas, como falta de dinero, drogadicción, deseo de fama y otros debrayes emocionales enormes con los cuales cargan), inclusive con los mismos productores. Aquí es donde vemos uno de los mejores y más sorprendentes puntos del filme, ya que Tom Cruise hace al productor ejecutivo de la película y no como un niño bonito, sino como un tipo gordo y violento que le importa más la fama que el dinero. Muchos alabaron la actuación de Cruise y yo pensé que eran exageraciones, pero debo admitir que le pega al papel y sobre todo, se nota que se divierte un montón con el personaje.
 
Sin embargo, la película se cae un poco cuando el director muere (sí, de manera auténtica) y los actores se quedan solos por su cuenta. Pero no porque este segundo tercio sea malo, sino porque nos enfocamos más a una película de acción y comienzan tanto los balazos como la acción. Aquí nos presentan a los malos del filme, que están encarnados por unos piratas vietnamitas (y su extraño líder). Luego de este momento un tanto forzado, volvemos a la comedia y nos divertimos entre los fans de Speedman cuando hizo el papel de Jack y los monólogos de Lazarus sobre la actuación.
 
Finalmente, el último tercio es hilarante a morir y con una acción bastante adecuada, teniendo un final bastante divertido con Cruise bailando (reitero, se nota que el hombre disfruto hacer este papel).
 
Como ven, la película es una mezcla de ironía, sarcasmo, comedia (a veces un poco grotesca, pero no demasiado) y de buenos diálogos que pese a tener un sentido gracioso o grosero, también crítican de manera dura al gremio de actores, directores y ejecutivos de Hollywood, así de reírse de los estereotipos de la industria. Varias veces tuve que repetir una escena porque de plano me sacaba de risa y no la disfruta o sencillamente quería reírme aun más con lo que pasaba. También los cameos de otros actores están geniales (en especial al principio cuando para introducir la película, muestran trailers de otros supuestos filmes).
 
 
Aquí quiero hacer un breve paréntesis sobre la actuación de Downey Jr. Debo decir que es bastante convincente, tanto por el tono que usa para la voz como la caracterización. Sin embargo, siento que fue un tanto exagerada su nominación al Óscar. Aunque no puedo negar que le paso lo mismo que a Cruise, ya que parece que disfrutaba el papel y hacer ciertos comentarios como el perfomance que tuvo en la misma.
 
Tal vez el único "pelo" en la sopa es el doblaje. Sí, tantas veces que defiendo el buen doblaje mexicano, pero aquí de plano se vieron mal. No por la actuación ni por la adaptación, sino por el tipo de voces. Ninguno cuadraba, en absoluto. Enzo Fortuny tiene un tipo de voz que no le entra a Stiller, mucho menos Jorge Ornelas como Tom Cruise. Si acaso Víctor Ugarte como Jay Burachel, pero el resto no me pegaron en absoluto y por ello la película sonaba un tanto extraña y forzada.
 
En conclusión, "Una Guerra de Película" (como fue titulada aquí en México) es un gran filme para ver. Stiller se luce como guionista (aunque tuvo algo de ayuda) y como director. Es entretenida, divertida, con una buena dosis de comedia, aunque eso sí, para quienes no conozcan Hollywood, algunos chistes les pasaran de lado. Recomendable en todos sentidos, pues.
 
 
-Rambo 2, Primera Sangre: Parte II
 
Argumento: John Rambo se encuentra picando piedra en una penitenciaría federal luego del incidente que causo en un pueblo del norte de EUA. Es cuando aparece su viejo amigo y jefe, el coronel Trautman, que le ofrece la libertad a cambio de una misión de infiltración en Vietnam, esto con el objetivo de conseguir fotos de prisioneros norteamericanos que aun siguen en manos enemigas. Rambo acepta con la convicción de ayudar, pero es cuando se vuelve a topar con los problemas que caracterizan a la sociedad americana, más en común su aparato militar, mientras trata de rescatar a los prisioneros con ayuda de la bella Co Bao.
 
Comentario: Rambo II fue de las primeras películas que vi en inglés. A finales de los ochentas, el cable que teníamos en casa de repente sacaba algunas cosas extrañas, como tener canales de origen norteamericano y en su idioma original, como TBS o USA. Posteriormente, canal 5 emitió a principios de los noventa un maratón con las 3 primeras películas de Rambo. Sin embargo, el grado de violencia y el horario (empezaba a las 7 y terminaba a las 12 de la noche), hacía imposible que lo viera seguido. Es más, algunas escenas como cuando Rambo dispara la flecha hacia el comandante vietnamita y lo hace volar, en su momento me provocaban bastante ansiedad.
 
Ya fue hasta finales de los noventas cuando pude disfrutar las películas de este peculiar héroe como Dios mandaba y claro, emocionarme hasta el tuétano con sus acciones. Por ello y con motivo del programa conmemorativo de la Órbita de Endor, decide chutarme al menos esta y dar mi opinión más actualizada.
 
Un problema grave con los programas y películas de los Ochentas es que el tiempo rápidamente pasa por ellos y se denota un desfase terrible, tanto en su tecnología, moda e intenciones, lo cual hace que muchos se den un tremendo palazo al revisitarlo. Un servidor paso lo mismo con Voltron, la cual tenía como una serie de altísimo nivel, pero al verla hace unos pocos años, caí en cuenta en sus guiones patéticos y sus secuelas de acción bastante repetidas.
 
Por suerte, Rambo no le sucede esto. No podemos negar que es un producto de su tiempo, empezando porque está la URSS, luego en la moda de algunos personajes (el propio protagonista y el look de Ericson) como en la elaboración de algunas escenas, en especial cuando aparece Co Bao, donde el lente parecía llenarse de vaselina y nos hacía una toma un tanto cursilona del momento. Sin embargo, el resto del filme es pura acción y debido a que se desarrolla en un Vietnam de corte socialista, donde la selva predomina, la tecnología puede obviarse y la trama fluye sin verse nada casposa.
 
La idea es bastante sencilla: Rambo acepta infiltrarse pero se nota de lejos que Murdock, el jefe de la misión, solo quiere hacer una pantalla y seguir cobrando su cheque de fondos militares. Esto provoca que Rambo rescate a un prisionero por su cuenta pero Murdock lo deja abandonado pese a las acciones de Trautman. Entonces cuando el protagonista va a soltar la sopa (a medias), aparece Bao que lo salva. Sin embargo, en el rescate ella muere y Rambo furioso decide matar como poseído.
 
Esta trama, sencilla hasta lo que más, sirvió de base a muchos filmes de los años ochentas y noventas, donde nuestro vengador con cara de malo, se iba cargando a los malos por placer pero a la vez porque son malos y les arrebatan algo querido. Inclusive es tan parodiado esto (como en la película que mencione arriba) que aun sigue funcionando, ya que así podemos justificar la ultraviolencia de los buenos. Y debo decir que funciona, ya que aparte tenemos a un carismático Silvestre Stallone que saca lo mejor de Rambo, no solo por su interpretación física, sino por su caradura y sus pocas palabras.
 
Por supuesto, el resto son personajes meramente prototípicos, salvo Trautman, que se convierte en una especie de mentor y de válvula reguladora, que de forma lamentable se va perdiendo conforme avanza la película. Esto parece que motivo su papel diferente en la secuela, aunque con malos resultados. Pero no importa, aquí lo que cuenta es como Rambo va mostrando sus habilidades como un soldado de fuerzas especiales y lo demuestra en la última media hora, donde él solito se carga a un montón de soldados enemigos, pilotea un helicóptero, destruye el campamento, salvo a los prisioneros e inclusive se enfrenta a un vehículo más poderoso que el suyo.
 
Una de las cosas que ayuda a que la película sea un subidón de adrenalina es la música que compusó Jerry Goldsmith para la misma. Aquí el compositor se reinventa a sí mismo y hace un score fabuloso, que de por sí ya tenía trazas de genialidad en la anterior película, en esta llega a un nivel épico donde hay acordes que te hacen brincar desde el primer momento (en especial cuando se escuchan los créditos iniciales, donde la fanfarria es épica a no más poder).
El legendario arco.
 
Por supuesto, hay prietitos en el arroz y debo decir que se remiten a algunas frases y comentarios que hace el protagonista, tanto con respecto a EUA como a su misión como soldado, que para hoy en día se quedan bastante chatas y que reflejan un aspecto patriotero y un tanto exageradas, sobre todo en el diálogo final cuando Rambo dice su discurso sobre la lucha por su país. Claro, crítica el aparato gubernamental y militar, pero sigue poniendo a la nación gringa con unos altísimos ideales y que es incapaz del pecado. Para un militar adoctrinado como Rambo se entiende, pero en un contexto actual, insisto, queda de más y un tanto anticuado, más al estilo del Capitán América que u otra.
 
En el doblaje, debo decir que me gustó. Sí, es de Los Ángeles, pero los actores seleccionados para cada papel, en especial Edgar Wald como Trautman, les quedan geniales. Tal vez el problema venga con Marcela Bordes que hace a Bao. Aquí se nota que la actriz apenas empezaba y se le nota un tanto falta de intencionalidad como de fuerza en su voz. Fuera de esto, un gran doblaje y de los buenos de aquellos tiempos.
 
En conclusión, "Rambo 2" es una excelente película de acción de los años Ochentas y que ha resistido de forma genial el paso del tiempo. Aunque su trama puede ser simplona y sus diálogos un tanto cursis, la acción es estupenda y las secuelas están bien hechas. Es curioso como esta película tuvo nominaciones tanto a los Razzies como a los Oscares, lo cual demuestra que tenía algunas cosas muy buenas y en otras, bueno, no tanto.
 
¿Recomendable? Por supuesto. Rambo sirvió de modelo a los héroes de acción posteriores y es un ícono no solo de su tiempo sino para los tiempos actuales.
 
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Saludos a mi princesa ^^, así a quienes gustan de este tipo de películas.