viernes, 28 de noviembre de 2014

Trailer Episodio VII: Sinceramente, no se que pensar.

Hace algunas horas salió el esperado trailer de Episodio VII: El despertar de la Fuerza, que forma parte de la nueva trilogía que saldrá a partir de diciembre del siguiente año.
Sinceramente, esperaba este avance desde hacía tiempo. Hacía un poco más de un año, Lucas nos sorprendía a todos diciendo que vendería Lucasfilm a Disney y que estos estaban planeando una nueva saga de películas para completar una nanología. Como es lógico, esta medida desperto el interés pero también la chamusquilla de muchos fans, incluyendo a un servidor.

Bien sabemos que el manejo que hizo Lucas con su franquicia en los últimos años había sido de regular a malo (salvo con la saga de Clone Wars y sus derivados). Sin embargo, que Disney tomará el relevo, si despertaba la inquietud de muchos. Pero las cosas tampoco mejoraron mucho cuando J.J. Abrams se hizo cargo de la dirección. Bien sabemos que el buen Abrams es un fan de Starwars, pero tampoco eso garantiza que las cosas fuesen a funcionar bien, más cuando empezaron a llegar líos y problemas con la pre-producción, al grado que la película que se iba a estrenar en mayo del siguiente año, se retraso su fecha de exhibición hasta diciembre del mismo año. Aparte que durante la toma de cámara principal, Harrison Ford sufrió cierta lesión que lo alejo de la filmación.

En fin, que hace un mes se comenzó a rumorar que el teaser trailer tendría su primera exhibición, más específicamente en el estreno de la tercera película de El Hobbit. Sin embargo, hace una semana, Abrams anunció que el trailer saldría para el Black Friday, o el día posterior al de Acción de Gracias. Y he aquí, el dichoso avance.



Desde Pacific Rim no había hecho una entrada así, pero creo que la película lo merecía. El problema es que mientras el avance de la película Del Toro me dejo con el Hype hasta el mismo cielo, acá...me dejo un tanto pálido, sino hasta decepcionado. Algunos dirán que esperaba demasiado, pero el trailer si deja frío a la mayoría, porque si vemos la música de siempre, los escenarios de siempre (Tatooine por ejemplo), así inclusive las naves emblemáticas de la saga clásica, como las X-Wing y el Halcón Milenario, pero las escenas escogidas, no se, no me dieron mucho en que pensar. Inclusive la del famoso Inquisidor Sith (que se ha rumorado desde hace tiempo), tampoco me llamo mucho la atención...claro, con salvedad de ese sable de luz modificado (Light Claymore, una espada con empuñadura tipo medieval), que da mucho de que pensar.

Para colmo, los anteriores trailers siempre ponían el logo de Lucasfilm, pero acá nada de eso y para rematar, no está el número "VII", como si fuese una trilogia no conectada con las otras. Tal vez lo que más me golpeo fue la ausencia de "suciedad" que tanto había caracterizado al universo de SW. Todo se ve muy limpio y hasta renovado, lo cual no me cuadra con el ambiente de las antiguas películas.

En fin, la cosa parece que no jalo y si me pego una decepción. Pero tengo la esperanza de que sea como el trailer de Star Trek que saco el mismo Abrams en el 2008, que solo veías un plano muy simple del Enterprise y claro, la película me gusto bastante. Esperemos sea así, o tendremos otro bodrio y tal vez aun peor que las precuelas. A ver que sucede.

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Saludos a mi esposa, que me dio palmaditas de ánimo mientras estaba con cara de zombie al ver el trailer.

jueves, 27 de noviembre de 2014

Birdman: Iñarritu no canta tan mal las rancheras

A pesar de que mi comadre y un servidor hemos coincidido en opiniones últimamente (seh, se acerca el apocalipsis), esta película nos hizo disentir un poco (bueno, bastante) y es que al fin al cabo, la forma que tenemos de ver la vida es obviamente distinta y por ello, Birdman le gustará a un 95% de las personas, pero otro 5% (donde me incluyo) la verá como una película buena, grandes actuaciones, con buena propuesta y artísticamente original, pero que el trasfondo es bastante simple y hasta por momentos predecible y aburrida.

Al menos para mí, la razón es simple: es onírica. A las personas en general les encanta lo onírico, porque es una forma bella, más simple o más compleja, de tratar una situación real. El problema viene cuando lo onírico es fastidioso en tu vida diaria y muchas veces solo se ve como una pantalla para escapar de los problemas diarios. Tal vez por eso prefiero la pornografía visual (frase excelente de la película, que tiene sus grandes puntadas) porque ver la realidad diaria es asfixiante. A muchos les parecerá aburrida y por eso adoran el arte, como una expresión idealizada de la problemática actual, pero a un servidor, le fastidia de sobremanera.

¿Y por qué soltar mi crítica ahora y no hasta el final? Sencillamente porque es mi entrada y mi punto. Yo pongo el orden que quiera y me parecio mucho más interesante empezar al revés jeje. Pero bueno, también es porque pese a todo, Birdman me parece una buena película, lo mejor en aspecto de originalidad que he visto en todo el año. Si Cuaron apostaba a una trama hiperrealista y Del Toro a la ciencia ficción y magia, Iñarritu nos da una metáfora y vaya que el condenado lo hace bien. Veamos porque...


•Introducción: Filmada en la primavera del año pasado, y con el Emmanuel "El chivo" Lubezki en los controles de cámara, Iñarritu en en ciertas declaraciones dijo que ya estaba un tanto cansado de las películas de drama y que quería una especie de comedia que se burlara de sí mismo y del ambiente artístico en que él que se desenvuelve. Él mismo participo en la co-escritura del guión y eso le permitió hacer un cast "sabroso" que podía emular los personajes y trama que él diseño. Por ello no es coincidencia que la historia gire alrededor de una estrella de cine ya en plena caída y que se quedo encasillado por un papel de superhéroe (¿Te suena Batman?) o que el actor estrella joven sea un tipo talentoso pero sumamente problemático (¿Edward Norton conflictivo? Que va) o que la hija del protagonista sea una chica guapa pero insegura (Emma Stone cumple con el rol perfectamente) y que hubiese una estrella atractiva pero mucho más insegura (Naomi Watts estuvo un tiempo así, antes del estreno de King Kong de Jackson). Finalmente, la primera mención de la película se hizo a principios de este año y muchos la vieron como un chiste (¿Van a hacer una película de Birdmaaaaaaaan? Que loco), ya hasta que se confirmo que sería una película dramática y de humor negro. Tuvo su debut finalmente en el Festival de Venecia con rotundo éxito y finalmente se estreno en EUA a mediados de octubre. En México tuvo su estreno hace un par de semanas con muy buenas críticas.
•Argumento: Riggan Thompson (Michael Keaton) es un actor de cine y antigua superestrella venido a menos. Sus glorias pasadas, donde encarno a un personaje de historietas, Birdman, le trajeron gloria, dinero y reconocimiento, pero lo encasillaron a tal modo que ahora busca el modo de resurgir con la puesta en teatro de una obra. Sin embargo, los problemas no se hacen esperar y es acorralado por distintos frentes, desde la drogadicción de su hija (Stone) hasta conflictos con su estrella (Norton) y con su abogado (Galifianakis), que pese a ser su amigo, es obvio se trata de aprovechar de la fama de Thompson, al tiempo que este va lidiando con su mayor demonio: él mismo.
•Historia:Para hablar de esta parte, hay que dividirla en dos partes muy puntuales: fondo y estilo. El primer rubro es él que más le tiro tomates. Riggan es un sujeto egocéntrico, que confunde el amor con la fama y el reconocimiento, es un neurótico clásico, y este deseo de ser famoso lo ha alejado de su familia y de las personas que le tienen cierta estima. Su egoísmo se manifiesta en toda la película hasta que por un afortunado golpe de suerte (o diría balazo), vuelve a ser reconocido. Es técnicamente el camino que todos o la mayoría buscamos: ser alguien y que todo mundo nos quiera o nos acepte como somos. Claro, es difícil hacerlo si no cambiamos y Riggan no lo hace, se mantiene en sus "trece" toda la película, hasta que el último tercio no tiene otra opción que hacerlo y de manera indirecta. Tal vez por eso el final me parecio conmovedor y a la vez una sátira más. Sin embargo, este tipo de situaciones siempre la vemos en libros, películas y otras formas de relatar una historia, la nuestra por así decirlo y por eso resulta predecible, cliché y aburrida (mi esposa y yo susurrabamos en el cine al mismo tiempo que iba a pasar y pasaba). Tal vez muchos críticos digan "es que eso es lo que pretendía Iñarritu". Seh, no lo niego, pero para quienes dicen que es una obra maestra, el hecho que te burles o hagas una parodia de algo más, ya no es muestra de originalidad ni de genialidad, porque siempre te apegas a un canon ya establecido. Claro, eso podría caer en un bodrio, sino fuese por la esplendida puesta en escena. Ya en el rubro técnico, Iñarritu se ve como un genio en todos sentidos, primero por atreverse a utilizar un plano continuo, es decir, hacer tomas largas y que esten intercaladas, sin que halla los famosos cortos que unen los diferentes escenarios. No, aquí seguimos a cada protagonista luego de hablar con el otro y brinca a otro escenario para ver lo que sigue. Cierto que muchos dicen que vemos dos horas continuas, pero no es así, simplemente Iñarritu (con la excelente foto del Chivo Lubezki) se queda en uno y en ese nos agarramos para lo que sucederá unas horas o un día después. Sin embargo, esa genialidad, junto la fotografía y unos dialogos de primera (algunas frases son de antología, brutales), hace la película entretenida, dinámica, sin perder ritmo y sobre todo, fantástica en ciertos puntos. Sin embargo, salvo el arco final, el resto era tan altamente predecible que todo el tiempo tenía ganas de levantarme del asiento y dar vueltas en el cine.
• Personajes: La elección de actores estuvo brutal, no solo porque Keaton, Norton, Stone, Watts, Galifiniakis (sí, inclusive este último) saben actual, sino por la dirección y la elección que hizo Iñarritu. Cada actor se amolda perfectamente a la personalidad del mismo actor o de alguna previa interpretación que tuvieron. No dejaba de sacarme una sonrisa cada vez que veía a Keaton ver el retrato de Birdman, en obvia parodia a Batman o ver a Norton sacar dialogos e improvisar de manera genial, pero luego pedía cada "jalada" para sentirse más cómodo (los famosos encontronazos con la Marvel por el tema de Hulk). Y aunque la Stone hace un papel muy prototípico, de la típica niña mimada y falta de cariño, precisamente su carisma y físico le ayudaron mucho al papel. Si merece la película un Óscar o ser premiada, por aquí es donde deben empezar. Sin embargo, si alguien debo remarcar es la actuación de Keaton. Fue estupenda y hasta quien sabe,
Diseño: Aunque la película generalmente se establece en un teatro de la calle Broadway, el diseño del mismo es genial y aparte bastante adoc para la situación, donde el cámara en mano va tras la espalda del actor y filmando cada escena. Aquí sería más mérito del buen Lubezki, que no nos saca esas tomas que nos tiene acostumbrados, sino a algo más costumbrista, pero a la vez realista e impactante. Por cierto, la escena tipo "Avengers" estuvo genial. Tal vez descuadre por momentos, pero estamos en una película onírica, así que en cierta manera es muy válida.
•Sonido y Música: La música y el sonido son normales, técnicamente no hay banda sonora, sino un "solo" de batería que resuena en los momentos en que Thompson parece que se le va yendo la olla y se pone furioso, loco o alegre. Al principio puede ser fastidioso, pero luego lo relacionas con ese clásico leimotiv que debe tener el protagonista. Claro, muy bizarro.
•Doblaje:Gracias a Dios, solo hay versiones subtituladas, porque escuche que la mandaron a doblar a Argentina, Santo Cristo Redentor. No tengo nada en contra del doblaje argentino, pero este tipo de películas merece un mejor trato, por favor.
•Curiosidades: Y sí, al fin al cabo es una comedia y te divierte algunas situaciones, que te sacan una sonrisa cómplice o de plano una carcajada, pero es humor negro, así que tienes que ser algo macabro para entender algunas metáforas muy rudas que hace Iñarritu de sí mismo y del mundo del cine como del teatro. 

A título personal: Había escuchado de la película hacía algunos meses y que Birdman era más una película seria que de superhéroes, lo cual me llamo la atención. Aun así, obvie los trailers y me espere más a una sorpresa. Sin embago, que la película estuviese dirigida por Iñarritu y tuviese clasificación B-15, me hizo dudar, porque el director nunca ha sido de mi agrado. Sin embargo, Sam luego me confirmo que estaba buena (ella le toco verla en un Festival de Cine previo al estreno) y pues a dos semanas de su estreno, fui con mi esposa a verla. Debo decir que esta vez no hubo incidentes en el cine (para variar), aunque la cajera del cine casi nos saca un infarto por la cuestión del 2x1. 
 

En conclusión, Birdman es una película divertida, original y con mucho contenido parodico pero a un nivel mucho más serio e impactante. Es altamente recomendable y es seguro que tendrá varios premios en su curriculum próximamente. Si le tenía cierta chamusquilla a Iñarritu, aquí lo vuelvo a ver con otros ojos. Se atrevio a algo más original y le salió perfectamente.
Sin embargo, para cierto tipo de público, donde me incluyo, les resultará algo tediosa y hasta aburrida. No tanto por la puesta, sino por la primicia. En fin, cuestión de enfoques.

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Saludos a la dueña de mis quincenas :3, así a Sam, como a quienes gustan de este tipo de filmes.

martes, 25 de noviembre de 2014

Temas de película: Danny Elfman al contrataque

Ya varios compositores de gran calidad se han paseado por este blog. Aunque he hablado maravillas de Goldsmith, Morricone o Williams, hay otro que con el paso del tiempo ha ido marcando la historia del cine (y de los seriales de TV) con su peculiar estilo. Cierto que tiende a ser algo repetitivo y que hay leimotivs que se repiten en obras, pese a no tener gran parecido unas con otras. Sin embargo, ha sabido darle un aire diferente y refrescante a sus soundtracks, así convertirse en íconos de la cultura actual.

Sep, hablamos de Danny Elfman, el hijo favorito de Tim Burton cuando quiere instrumentar sus películas. Y aunque no lo crean, el hombre es famoso y talentoso, al grado que se caso Bridget Fonda hace unos añitos. Eso no le quita talento, al contrario, fue integrante del grupo Oingo Boingo que hizo una melodía estupenda como "Weird Science" y que formo parte de la película y serie homónima.

Así que esta entrada es para rendirle un pequeño homenaje a este grandote de la música instrumental. Cinco de sus mejores melodías y que son recordadas por los fans.

-Beetlejuice


Una de las películas emblemáticas de Burton y que debuto al comediante Michael Keaton. Sí, Keaton era comediante y en esta película quiso mostrar sus artes histriónicas al máximo (y personalmente lo logró, pero como había visto Batman primero, no me podía quitar esa imagen de la cabeza). El tema fue tan gustado por los fans que inclusive se utilizo como base del tema de la serie de dibujos animados. Lamentablemente, un pequeño acorde del mismo se repetiría hasta el hartazgo en otras producciones posteriores.


-Men in Black


Aunque para cuando salió Hombres de Negro, Elfman ya había hecho sus pinitos, lamentablemente ese acorde o leimotiv se repetiría hasta el hartazgo en esta excelente banda sonora, ya que pese a darle ese aire extraterrestre a la película, no dejaba de ser muy Burton, en especial cuando aparecen los créditos de inicio. Digo, es como recordar Beetlejuice con Batman. Aun así, igualmente la banda sonora volvió a reutilizarse para el cartoon que se inspiro en la película.


-Spiderman


Y repito, ese mentado leimotiv de Elfman vuelve a hacerse presente. Sin embargo, el buen  compositor tuvo el atino de hacer un tempo mucho más acelerado y creo una banda sonora formidable para la saga de Raimi sobre el arácnido. Personalmente me encanto y aun hoy en día es sinónimo de mi juventud, ya que al menos fui a ver 3 a 4 veces las tres películas al cine y escuchar el intro hecho por Elfman, conforme pasaban los creditos iniciales, era para erizarse la piel.


-Real Steel


Al fin, Elfman logro hacer a un lado sus acordes repetitivos y nos trajo en esta película, un soundtrack imponente, genial y que te hacía vibrar. Si Gigantes de Acero logró tener tanto impacto, no solo fue por las peleas, la acción y la trama entre padre e hijo, si no por esa música tipo metal y rock que sonaba entre cada pelea o en los momentos dramáticos. El momento en que Charlie (Hugh Jackman) entrena a Atom, es para hincarse. Sin embargo, igual de emblemático es el tema de Twin Cities vs. Atom. Toda una preciosidad.


-Batman


Vale, Real Steel es un OST formidable, pero aun se queda corto ante la madre de todos los leimotivs de la historia. Antes de Batman y su asombroso soundtrack, las películas de cómic o de acción no habían tenido tal majestuosidad. Aquí Elfman se vio como un genio, creando uno de los scores más recordados de toda la historia. Fue tal su impacto, que durante un año, el OST y la música inspirada en la película de Batman (hecha por Prince) ganaron varios Grammys. Este tema, pese a tener más de 25 años, sigue retumbando en la cabeza de cualquier fan del Encapotado.

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Saludos a mi princesa :3, así a quienes gustan de este tipo de soundtracks.

domingo, 23 de noviembre de 2014

Sailor Neptune: La más guapa, pero la menos carismática

Técnicamente estaba va a ser la entrada más pequeña sobre las Sailor Seishi. Repito, no es porque me desagrade la relación que mantienen Michiru y Haruka, sino porque la sigo considerando el personaje menos carismático de toda la serie (superando por un poquitín quizás a Tuxedo Kamen o Mamoru Chiba). La razón es que la autora casi no exploto el potencial que tenía este personaje y también porque era demasiado perfecto: atractiva, con talento e inteligente. Léase, toda una Mary Sue al estilo de los fanfics. Y como saben, agarrarle cariño a un personaje así es bastante difícil, salvo que sea el protagonista o el famoso revulsivo (tipo Ikki de Saint Seiya).

 No obstante, el personaje tiene sus seguidores y es que tiene ciertos puntos buenos y vale la pena tratarlos. Lamentablemente, esto se vio más en el manga y en ciertos fillers de la serie original.

Michiru Kaiō (海王 みちる Kaiō Michiru?) alias Sailor Neptune (セーラーネプチューン Sērā Nepuchūn?, o "Guerrero Neptuno" en algunas traducciones) es un personaje ficticio de la serie de anime y manga Sailor Moon. Es una de las Sailor Senshi del Sistema Solar Externo que se ocupan de proteger al Reino de la Luna y Milenio de Plata desde tiempos antiguos.


Michiru Kaiō es la reencarnación de Sailor Neptune, una guerrera del tipo Sailor Senshi que provenía del planeta Neptuno y protegía un reino llamado el Milenio de Plata en su vida pasada. Cuando Michiru recupera la memoria de esa vida anterior, ella vuelve a tener los poderes sobrenaturales que tenía como Sailor Neptune. A partir de entonces ella vuelve a adoptar la identidad y apariencia de Sailor Neptune cada vez que debe combatir el mal junto con Sailor Uranus, y más tarde, también junto a Sailor Moon y sus amigas.


Michiru tiene su primera aparición en el episodio 90 de la serie original de anime y que corresponde al primero de la Saga "S", que involucra la pelea contra los Death Busters, una suerte de organización que busca la Copa Lunar (el Cristal de Plata) para revitalizar su poder y conquistar el mundo. Para lograrlo, deben capturar los 3 talismanes mágicos que accesan a susodicho aparato (La espada, el espejo y la joya granate).

Michiru es la tercera Outer Seishi (Sailors del Sistema Planetario Externo) en aparecer, luego de Setsuna y Haruka. Se revela aparentemente como la pareja de la última, contrastando no solo en personalidad, sino también físicamente. Aunque su forma de ser al principio es de toda una señorita (ojousama), ya que no solo es la primera en su grupo, sino también sabe nadar como una experta (mucho más que Ami) y toca el violín de manera magistral, al grado de ser considerada un genio a los 16 años; conforme avanza la serie, va mostrando un carácter mucho más duro y recio (y con ciertos toques cómicos en el manga). Lamentablemente, esto no sería tan bien tratado en el anime y hay al menos un par de episodios donde la frialdad o indiferencia del personaje es bastante evidente al grado de ser chocante por momentos. Aunque su pasado pueda ser parecido al de Sailor Venus (ya que ambas son de las primeras en recordar su pasado durante el Milenio de Plata), la forma en que impulsa a Haruka es mucho más brusca que lo sucedido con su compañera.

Se nos muestra desde un principio que tiene una relación muy íntima con Haruka, llegando a confirmarse conforme avanza la serie. Sin embargo, tal relación fue un tanto diluida en la versión doblada que trajeron a Latinoamérica y algunos diálogos fueron cambiados (pero hay que ser un tanto tontos para no darse cuenta, porque es muuuy evidente). Este punto es tal vez el más controvertido y lamentablemente el que más se asocia al personaje. Mientras Haruka es un poco más oscilante y mejor trabajada, Michiru se convierte en la parte pasiva de la relación, lo cual le afecta por momentos y se vuelve más como "la pareja" de Haruka más que un personaje independiente.

Sin embargo, Michiru se revela como el personaje más estable de la serie, ya que es capaz de mantener la fe en la misión y en si misma, al grado de hacer madurar a los personajes que tiene alrededor (Haruka, Ami, Rei, etc.).  Un capítulo memorable en el anime es cuando las Death Busters le ponen una trampa a ellas y Michiru, pese al dolor de los ataques, lográ empujar también a Haruka a avanzar, para finalmente perder por un periodo corto, sus respectivos talismanes. Y aunque la relación con Saturn es ríspida al principio, termina haciendo el papel de "madre" para ella. 

 Lamentablemente, el papel de Michiru se ve limitado luego de la saga S y aunque tiene sus puntuales apariciones en Super S y en Stars, su protagonismo se ve muy disminuido, pese a que en esa parte, el manga muestra más detalles graciosos y cotidianos de la misma (y que espero en la nueva saga retomen adecuadamente).

Sailor Neptune es la identidad que toma al transformarse y destaca por su velocidad al ataque, pero también por su poder principal: Deep Submerge, el cual es muy similar al ataque del resto de las Outers Sailors, solo de color azulado y que parece invocar la fuerza de un tsunami. También, conforme avanza la serie, llega a tener habilidades precognitivas, parecidas a las de Rei, lo cual le permite estar un paso adelante de un peligro o ataque. Por cierto, al adquirir el espejo de aguas profundas, este funciona para aumentar dichas habilidades mentales y también en ocasiones, rechazar o desviar ataques de energía.

En cuestión de adaptación, el nombre de Michiru en otras latitudes tuvo bastantes alteraciones. Conocida como Michelle en EUA y Vicky en España, en México se respeto su nombre original, solo con ligeras alteraciones en su escritura. Por cierto, en nuestra región, el doblaje estuvo a cargo de la gran Irma Carmona, donde mostró una versatilidad de primera, ya que al tiempo le toco doblar a Ranma chica en Ranma 1/2.


Como ven, mi interés en la chica es poco, aunque en una historia que he estado haciendo (Hunters), he podido explayarla aun más. Repito, Michiru es un personaje con un altísimo potencial, pero que nunca fue explorado del todo (aun en el manga). Aun así, es innegable el atractivo de Michiru, el cual la convierte en una de las más atractivas de todo el grupo de Seishis.

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Saludos a mi Makoto ^^, así a quienes gustan de Sailor Moon.

viernes, 21 de noviembre de 2014

Big Hero Six: la combinación entre Marvel y Disney


Cuando la casa del ratón Miguelito compro la editorial Marvel en el 2009, más de uno pego el grito en el cielo. Todo mundo sabe de las costumbres macabras de Disney para manipular la realidad y hacerla más bonita y dulce. Léase, darnos a entender que todo es maravilloso y obviar lo cierto (próximamente reseñare un ensayo hartamente delicioso y de tipo comunista, "Como leer al Pato Donald" que se encarga de hacer hincapié a la manipulación de este gran consorcio).

Como sea, Disney parece que previo la reacción de los fans y dijo en su momento: "Mijos, no moveré nada. Solo soy el dueño. Marvel seguirá con sus aventuras". Esto tranquilizo a muchos y efectivamente, Marvel seguía trabajando a su ritmo de siempre. Sin embargo, al estilo de la relación China-Hong Kong, Disney ha comenzado a intervenir en ciertos productos Marvel, desgraciadamente más para mal que para bien, como cambios en algunas políticas para adultos en las películas de Marvel (¿Y la genial camiseta de Black Sabbath de Tony Stark, donde quedo?). Aun así, no todo han sido buenas noticias. Disney ha comenzado a revitalizar franquicias que no tenían futuro y les ha dado un lavado de cara más que merecido. Una de ellas, es precisamente esta, "Big Hero Six" (ni loco voy a decir su seco nombre en español) y que desde hacía un año ya querían armar revuelo con un teaser trailer que mostraba una vista a la urbe donde se iba a desarrollar la trama: mitad San Francisco, mitad Tokio.

A otros les produjo malilla, a mi me encanto. Así que luego del "éxito" de Frozen (seh, cosa para niñas), esperaba un batacazo de Disney/Marvel pero para chicos. Lo cual confirmé hace unos días.


•Introducción:Big Hero 6 es un cómic que Marvel edito y publico en 1998. La idea de los autores (Seagle y Rouleau), era crear un equipo de superhéroes de la Marvel pero ubicado en Japón. Primero, trajeron al popular Silver Samurai de la franquicia de Wolverine y le pusieron con otros héroes creados de manera reciente (y con pasado japo, obvio) para formar un equipo al estilo Avengers. Lógico, tuvo un éxito muy local y limitado. Para el 2009, cuando Marvel fue comprada por Disney, Bob Iger, el CEO de esta última, comenzo a ver que franquicias se podrían explotar por la casa matriz (Natural. Recuperar la inversión es prioridad). Una de ellas, fue la saga de Big Hero y directores de Pixar así de Disney le presentaron ideas para hacer una película de la franquicia al gran John Lasseter. Este se inclino por una en particular, la cual fue inmediatamente puesta a punto y se anuncio la salida de la película en junio del 2012 para noviembre del actual. Hubo problemas al inicio de la pre-producción y es que Lasseter tuvo que descartar a dos de los personajes principales, el mencionado Silver Samurai y Sunfire, porque los derechos de ambos personajes pertenecían a la Fox. Aparte, el estudio trato de mantenerse fiel a la versión original, lo cual no se pudo, más que nada por diferencias entre Joe Quesada, editor en jefe de Marvel y el mismo Lesseter. Finalmente, este último decidio hacer una versión distinta del cómic y enfocarse en la relación entre Baymax y Hiro, secundarios en el cómic original. La producción tardo un año y finalmente se estreno el primer trailer en junio de este año y el segundo hace solo un par de meses. El filme se estreno el 7 de noviembre en EUA y hace más de una semana aquí en México.
•Argumento: Hiro Hamada es un adolescente de 14 años, considerado un genio en la robótica y que se dedica a utilizar estos conocimientos para ganar peleas de robots ilegales. Constantemente es rescatado por su hermano, Tadashi, hasta que una visita a la universidad donde él estudia, es cuando Hiro se enfoca en entrar a la misma, creando un proyecto que inmediatamente despierta la ambición de muchos. En el trance, su hermano fallece, pero Baymax, el proyecto en el cual trabajaba Tadashi, se vuelve el apoyo de Hiro, y animandole indirectamente a buscar la verdad sobre el fallecimiento de su hermano. Es cuando decide formar un equipo de superhéroes, con la ayuda de los amigos de su hermano y así derrotar a Yokai, el villano que parece estar trás la muerte de Tadashi.
•Historia: Generalmente las historias de Disney son sencillas, pero bien concisas y coherentes. Léase, no tienen gran variedad y el ritmo es adecuado. Sin embargo, el mejor pero también mayor error de esta película es que tiene dos arcos argumentales bien definidos, pero totalmente dispares uno con el otro y para colmo, el punto de ruptura esta tan mal manejado, que te deja un poco descolocado. El primero se compone de la historia de Hiro con su hermano, como el primero es presumido y egolatra, pero gracias a Tadashi logra enfocarse en algo constructivo. Aquí se da la presentación de todos los personajes y sus diferentes personalidades. Para quienes vieron el trailer, es lógico que Tadeshi va a morir y efectivamente esto ocurre. Sin embargo, tal suceso no esta bien planteado y aparte ocurre de manera tan apresurada, que no solo se ve artificial, sino tiene repercusiones terribles en el resto del filme. Ya sabemos que esta historia, muy al tipo Peter Parker, es harto conocida en el universo Marvel. Sin embargo, no se que habrá pasado, si la editorial o la productora trato de emular el asunto de manera más leve, que no les salio en absoluto. No es que el segundo arco sea malo, al contrario, es cuando vemos la fase de superhéroe, tanto de Baymax como de los demás personajes y me encanto, pero se ve demasiado forzada. Sí, podrás hacerte héroe, pero no hay un trasfondo tan profundo para ello. Inclusive, "Los Increíbles", trata esta problemática de manera más delineada y sin necesidad de que alguien muera: el héroe es un personaje trágico y precisamente sus problemas son los que le ayudan a sublimar su pérdida y encarnar un ideal. A Hiro trataron de darle ese manejo, pero fue tan "express" que no te cuadra. Si ya habíamos vistos rasgos de madurez con Frozen o Ralph el Demoledor, aquí Disney volvió a su modalidad más simplona. Aun así, la historia tiene un buen ritmo, es divertida y combina perfectamente los momentos de drama con comedia. Sin embargo, el cambio de tono sigue siendo un lastre importante. 

• Personajes: Dejándo de lado la historia, los personajes son estupendos. Baymax para empezar, se roba la pantalla con su personalidad. Es un robot médico que es adorable y tierno, pero tiene ese punto al estilo de los robots de Asimov, que lo hace aun más evolucionado e increíble. Aunque es genial verlo con su armadura al estilo Ironman, hay un momento que pierde su personalidad adorable y el personaje pierde su carisma. Es agradable ver que algo más puro y bueno tendra sobresaliente comparado a la acción o violencia pura. Hiro es un adolescente inteligente, genio pues, pero también sigue siendo un chaval y sus cambios así reacciones son bastante congruentes. Shidama, su hermano, pese a aparecer poco tiempo, también esta bien desarrollado y te duele realmente cuando fallece en el filme. El problema tal vez vendría con el grupo de amigos de Hiro y Tadeshi, que pese a tener personalidades bien establecidas, son sumamente clichés y tienen poco desarrollo. Tal vez el que mejor sale parado es Fred, el chara cómico que da la nota alta en algunos momentos.
Diseño:La mejor parte de la película y por mucho. Se dice que se empleo una cantidad monstruosa de memoria en computadora para crear los fondos de la ciudad de San Fransokyo y vaya que les salió genial, tanto por las intrincadas calles fusión de ambas ciudades, con detalles tanto japos como gringos, así cuando Baymax y Hiro van hacia una especie de aerogeneradores con forma de globos. El diseño de personajes también me parecio bastante adecuado y ya vemos cierta madurez con los personajes femeninos. Debo decir que el diseño de Go Go Tamago me encanto y me parecio muy atractivo (seh, tengo debilidad por las chicas curvílineas y de pelo oscuro, como mi esposa).
•Sonido y Música: Bueno sonido, pero nada fuera de lo normal. El detalle es que Henry Jackman vuelve a hacer de las suyas y hace un OST bárbaro, que tiene esos momentos de acción bien definidos. Hay un leimotiv que se escucha cuando Baymax esta volando y me parecio formidable. Espero conseguir esta banda sonora próximamente.
•Doblaje: Estuvo bien y las voces muy acorde a sus personajes, en especial con Memo Aponte Jr. (Hiro) y Alan Prieto (Baymax). Tal vez la nota disrruptiva vino de Génesis Rodríguez, que tanto hizo el doblaje para la versión en inglés como en latino y su manejo emocional fue bastante irregular, al grado que se oía muy artificial. Sin embargo, se compensa con la voz de Jesse Conde cuando sale el "Padre" de Fred, jeje.
•Curiosidades: Sí damas y caballeros, hay escena poscréditos. No promete una secuela, pero es un guiño cómico a lo que ha hecho Marvel con su ciclo de películas. Les recomiendo que se queden hasta el final, pero en sí, no aporta casi nada, salvo un guiño al señor "Marvel". 

A título personal: ¿La disfrute? Obvio. Me la pase genial. Por suerte, la buena semana económica de noviembre me ayudo para ir al cine sin mayores restricciones. La película fue una mezcla de Marvel con un Disney bien maduro. Sin embargo, mi esposa si fue la que dio la crítica alta y con razón: la muerte de Tadashi se vio forzada y lejos de ser ese momento de trauma efectivo, de repente sonaba de más y poco coherente. 

En conclusión, Big Hero Six es una película divertida, amena y que tiene buenas dosis de comedia así de drama. Pero como dije, en lugar de venir en un solo paquete, maneja dos historias totalmente distintas. Eso hace que te deje descolocado y como dije, aunque la segunda parte es brutal, pierde mucha de su efectividad por el poco nexo con la primera. Aun así, es recomendable y bastante.

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Saludos a mi ^^ chica, así a quienes gustan de este tipo de películas.

martes, 18 de noviembre de 2014

Leyenda urbana: El edificio Dakota

Los lugares malditos son harto populares, no solo por las leyendas que se han entretejen a su alrededor, si no por la cantidad de personajes que estuvieron involucrados. Siempre escuchamos de la casa que esta maldecida o el hotel que han ocurrido muertes inexplicables. Lamentablemente, muchas veces este tipo de situaciones se han visto como situaciones fortuitas o inventadas, para darle renombre.

Sin embargo, hay un lugar en EUA que tiene muy mala fama y que aparte, esta bien documentada. Claro, hablamos del famoso Edificio Dakota, una serie de departamentos que con el paso de los años ha adquirido una leyenda negra, no solo por la construcción extraña que tuvo, sino también por los personajes y sucesos que dieron renombre a este lugar, entre ellos, la muerte de John Lennon.


El edificio Dakota, construido entre el 25 de octubre de 1880 al 27 de octubre de 1884,1 es un bloque de apartamentos localizado en la esquina noroeste de la calle 72 y el Central Park West en la ciudad de Nueva York en Manhattan.

El edificio pasó a hacerse famoso a nivel mundial, ya que en sus puertas fue asesinado John Lennon, músico exintegrante de The Beatles, esposo de Yoko Ono, quien reside actualmente allí.

La firma de arquitectos de Henry Janeway Hardenbergh fue contratada para realizar el diseño para Edward Clark, director de la Singer Sewing Machine Company. Esta firma también diseñó el Hotel Plaza.



El edificio Dakota se ubica al oeste de Central Park, en pleno corazón de Manhattan, en la Ciudad de Nueva York. Fue construido en un periodo de 4 años, entre 1880 y 1884 por el arquitecto Henry Janeway Hardenbergh (cuya compañía también diseño y construyo el Hotel Plaza de la misma ciudad). El diseño consistía en una serie de departamentos, tipo francés, de 4 a 20 habitaciones y que aparte de sus balcones, tenían visión hacia un patio central que servía de entrada a carruajes de gran envergadura, al grado que hasta la década pasada, aun uno podía subir un caballo hasta el piso deseado.

El lugar, en su momento de construcción, estaba bastante alejado de la urbe y por eso se le llamaba "Dakota", nombre con el cual finalmente fue conocido hasta la fecha. Pese a esto, era bastante popular y en el momento de su inauguración, todos sus departamentos fueron comprados o rentados de manera inmediata. Hoy en día, se puede conseguir uno, por unos cuantos millones de dolares. El último inquilino famoso en llegar ha sido Alec Baldwin, que compro el suyo por 8 millones de morlacos.

Baldwin es parte de una larga tradición de artistas, cantantes, actores, etc. que vivieron en tal lugar. Aquí es donde comienza nuestro recorrido por las leyendas que rodean a este lugar.

  • Aleister Crowley, uno de los magos negros más famosos del siglo XX vivió un tiempo en el edificio Dakota. Se dice que realizo varios rituales de magia negra. Sin embargo, este no fue el único que "hechizo" este lugar, ya que otro mago, Gerald Brosseau Gardner, también habito en este lugar y fue cuando desarrollo la hechicería llamada Wicca. 
  • Boris Karloff, conocido por haber sido el monstruo Frankestein, era un fanático del espiritismo y se comentaba que realizaba sesiones para invocar fantasmas o muertos en su departamento. Fue tal el impacto, que al morir, se dice que su espirítu quedo atrapado en el edificio y varios inquilinos reportan haberlo visto vagar por los pasillos del mismo. 
  • La filmación de "El Bebé de Rosemary" (que espero hablar en otra entrada) se realizo en los exteriores del edificio. Dirigida por Roman Polansky, la suerte de la filmación estuvo maldita por donde se viera. Aparte de sucesos y muertes durante la misma, también se vio la crisis nerviosa que tuvo la actriz Mia Farrow (y que hacía el protagonico), lo cual origino su ruptura con Frank Sinatra. Claro, esto a título personal no lo vería muy confiable, ya que la Farrow luego se relaciono con Woody Allen (y hay que estar un poco loco para convivir con un par como Sinatra o Allen). Como sea, la producción estuvo llena de problemas, porque al saber la primicia, grupos de magia negra y satánicos estuvieron quejándose de la misma, tratando de prohibir su filmación y exhibición. Uno de ellos, fue el tristemente célebre Charles Manson, que luego de esto, alecciono a un grupo de seguidores, llamados "La familia" y que posteriormente asesinaron a Sharon Tate, la esposa embarazada de Polansky junto con varios de sus invitados, un año después.
  • Sin embargo, el suceso más potente fue la muerte del Ex-Beatle, John Lennon, esto en diciembre de 1980. Un desequilibrado fan de Lennon, Mark David Chapman, espero a Lennon luego de una firma de autográfos el 8 de diciembre, justo a las puertas del edificio. Cuando Lennon bajo del coche con su esposa para solicitar la apertura de las mismas, Chapman le descargo varios tiros, dejando malherido al cantautor, que con sus últimas fuerzas, se dirigió a la caseta de vigilancia, para caer moribundo frente a la puerta del edificio Dakota. Lennon no sobreviviría más que unas horas más. Pese a lo brutal del asesinato, hoy en día, su esposa Yoko Ono continua viviendo en el mismo departamento. 

Lejos de estos eventos, la cantidad de personajes que han poblado el edificio Dakota han sido bastantes. Lauren Bacall, Leonard Bernstein, F. Ambrose Clark, Bob Crewe, José Ferrer, Roberta Flack, Charles Henri Ford, Judy Garland, Steve Guttenberg, Judy Holliday, Ian McDonald, Rudolf Nuréyev, Robert Ryan, son ejemplo de algunos de ellos. Sin embargo, no solo hace falta "dinero" para tener un departamento, sino también el conceso de todos los inquilinos, al grado que el ex matrimonio de Banderas y Griffith trataron de comprar uno, con poco éxito.

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Saludos a mi princesa, así a quienes gustan de este tipo de historias.

domingo, 16 de noviembre de 2014

La colina de las Amapolas: una buena película de Goro Miyazaki

Nuevamente volvemos con otra película del ciclo "Ghibli" a la casa. Haciendole caso a mi comadre (para que luego no diga que no la "pelo"), tuve que descargar vía internet una de las más recientes películas del estudio (esta bendita crisis económica), dirigida por el hijo del genio Hayao Miyazaki: Goro.

Ya al buen Goro Miyazaki le toco dirigir otra producción, "Cuentos de Terramar", con críticas mixtas, elogiando la buena dirección de animación, pero criticando la adaptación extraña de las novelas originales. Con esta película tuvo una mejor recepción, aunque a la vez fue criticada por la sencillez de la misma. Pero bueno, vamos a dar el análisis respectivo, aunque digo de antemano, que un servidor disfruto una de las mejores películas del estudio Ghibli.

Antecedentes: A principios del 2010, el estudio Ghibli dio el anuncio de una "nueva" película que se estrenaría en el 2011, "La colina de las Amapolas", que estaba inspirada en un manga shoujo creado y publicado entre 1979 y 1980 por la editorial Kodansha. La dirección recayo sobre Goro Miyazaki, el hijo del dueño del estudio, que ya había hecho sus pinitos con "Cuentos de Terramar". Sin embargo, el terremoto de 2011, retraso de manera seria el proyecto, al grado que se replanteo cancelarlo. Miyazaki jr. presiono a su equipo, que recupero el tiempo perdido (así algunos acetatos que se habian dañado durante el temblor), al grado de trabajar hasta en las noches. El mismo Goro estuvo ayudando en este proceso. La película pudo ser terminada y estrenada en junio del 2011, siendo distribuida por Toho en su país de origen.

Primicia:Umi Matsuzaki es una chica de 16 años que se encarga de una pensión para mujeres en el Yokohama de 1963. Su madre trabaja en EUA y su padre falleció durante la guerra de Corea, por lo cual es también responsable de su abuela y sus dos hermanos. Todos los días al amanecer, sube una serie de señales de bandera, tal como le enseño su padre y para hacerle homenaje a este. Sin embargo, su vida cambia cuando conoce a Shun, uno de los delegados de la escuela y que administra el periódico escolar, el cual esta instalado en un viejo edificio que va a ser derribado y donde se alojan el resto de los clubes escolares. La presión del comité estudiantil para impedir esto, hace que la relación entre Shun y Umi vaya avanzando hasta un punto que tocará el pasado de ambas familias.

Historia: Cierto que Goro no es como su padre, pero si algo tiene este, es la capacidad de darnos un ritmo adecuado. Miyazaki senior es un gran cuentista, con lleno de detalles y magia, pero sus obras siempre tienen un problema en el desarrollo. Como prueba, es la última película del genio, "El viento se levanta", donde hay muchos espacios muertos. En cambio, Goro te mantiene entretenido, pese a la cotidianidad o simpleza de la historia, y aquí abundamos en eso. Solo tenemos dos marcos, que es la lucha por la conservación del edificio y el desarrollo del romance entre ambos protagonistas. Historia muy predecible, y que hasta uno imagina desde el principio que rumbos va a tener. Lógico, esta basado en un shoujo y estos suelen ser demasiado clichés y poco complejos. Sin embargo, reitero lo divertida y amena que es. Goro sabe sacarle el mayor provecho a otras cosas, como la animación, los personajes, los paisajes, etc. etc. para que estemos entretenidos y el ritmo se mantenga sin sacrificar la trama. Por cierto, la parte cuando Umi sueña con su familia es bastante potente y tiene un componente onírico de primera. Realmente me conmovió ese momento y le da un cierto toque maduro a la misma película.


Personajes: Uno de los puntos fuertes de la historia, no solo por la complejidad de los charas principales, sino la forma en que son mostrados. Generalmente en este tipo de dramas, los charas suelen ser harto complicados e irse por las ramas. Acá Goro quita esa paja y nos muestra protagonistas limpios, sinceros y que tratan de hacer lo que les toca. Lamentablemente, su evolución es un tanto escasa y eso les resta fuerza, haciendo que brillen más los secundarios como el otro delegado de la clase, Shiro o la misma hermana de Umi.

Efectos especiales: Goro se fue un tanto más por la animación tradicional y se agradece. La combinación entre CGI y animación en otras películas de Ghibli a veces es demasiado forzada y parece que el director trato de minimizar eso. Acá la animación tradicional prevalece y lo cual se agradece, dandole bastante uniformidad al arte. Por cierto, aquí incluiría el diseño y arte, que es precioso a morir. Como saben, soy un anticuado y las épocas viejas siempre me han parecido mejores que las actuales. Ghibli se luce al retratar el Japón de los sesentas, siendo por momentos semirural y otras ya con una tecnología cercana a los Estados Unidos. El contraste entre Yokohama y Tokio es bastante acentuado, aunque hoy en día, ambas urbes casi forman una sola. Pero la fidelidad a este "momento" es tan buena, que los momentos que me permitía hacerlo, me la pasaba viendo los fondos con cierta nostalgia.

Música: No es Joe Hisashi, pero Satoshi Takebe da unos leimotivs bastante atinados y que resaltan de buena manera algunos momentos de la trama, en especial cuando Umi recuerda los momentos con su padre. También las vocales a cargo de Aoi Teshima, ya conocida de Ghibli, son destacables.

Doblaje: Tenía miedo en este aspecto. Los doblajes que han hecho con las películas de Ghibli han sido horrendos, desde que Estudios Paris (Cuernavaca) tomo los controles. Las voces estan bien, pero su dirección ha sido nefasta, así con varias omisiones en la traducción. Sin embargo, esta película es una de esas buenas excepciones y disfrute mucho el doblaje, teniendo voces atinadas, no sobreactuadas y bastante atinadas para el carácter de cada personaje.

A título personal: La vi con mi esposa apenas hace unas horas, aprovechando un tiempo muerto en un domingo sin mucho que hacer y ambos la pasamos muy bien, comentandola y riéndonos de algunas situaciones.

 Como dije antes, es de las mejores películas del estudio Ghibli, no tanto por su historia o por su aspecto técnico, sino por lo bien balanceada que esta la misma y como Goro Miyazaki logra imprimirle ritmo pese a ser tan cotidiana y sencilla. Sin embargo, eso no quita que tenga una calidad un tanto inferior a otras películas, como Ponyo, el Castillo Vagabundo o Chihiro.

¿Recomendable? Bastante, es una de las pelis infaltables. Tal vez sea un tanto más madura que las otras, pero aun así, se entiende bastante bien y sobre todo, se pasa volando.

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Saludos a mi mujer ^^, mi Umi, así a quienes gustan de este tipo de películas.

viernes, 14 de noviembre de 2014

Comerciales de los ochentas: ¿Quién no recuerda estas joyitas del pasado?

Volvemos a los Ochentas, pero en un tono más amigable. Ya luego de dos entradas medio serias, tenemos que enfocarnos en la onda plástica de estos años.

Hace algún tiempo, exitía un blog llamado "La Máquina del Tiempo", pero parece que el autor decidió quitarlo y enfocarse en un canal del "tubo" que recopilará más de estas cuestiones, lo cual en cierta manera me parecio un acierto, ya que son tantas cosas, que la imagen en movimiento es mejor para hablar de aquellos maravillosos años.

 Así que con permiso de "La Máquina del Tiempo", subo algunos comerciales que en su momento me hicieron brincar, emocionarme y como no, consumir cosas y productos de aquellos años. ¿Cuántos habrán visto ustedes? Si no, ya soy oficialmente un vejete.


-Comercial Voltron Fuerza de los Leones de Macplay 1986 


¡Ahhh! Voltron era la caricatura reina en aquellos años ochentas, compitiendo cara a cara con Robotech. Ambos eran productos "americanizados" para que encajarán en usos y costumbres de nuestro continente: léase, las maltrataron lo suficiente para que muchos se enojarán. Claro, Robotech salió muy bien librada mientras el pobre Voltron no tanto. Como sea, los mechas eran geniales y es lógico que fuesen tema de juguetes armables. Mis primos tenían uno, con el cual podía jugar, sniff.


-Helado Batman 50 Aniversario Helados Holanda 1989 


La película Batman de Burton de 1989 fue un hitazo en muchos sentidos, aparte de que sirvió de punto de apoyo a la mercadotecnia de aquellos años. Holanda se agarro del batibarco y decidió fortalecer aun más su presencia en México, sacando promociones de cualquier tipo. Sinceramente, sus helados no me gustaban tanto (a la fecha), pero por tener esos botecitos conmemorativos, valía la pena tragarse un litro de helado o hasta más. Afortunadamente para mi salud, solo lo hice en una ocasión.


-Comercial Micro Machines Porta Aviones macplay 1989 


Los MicroMachines fueron una popular marca de juguetes en miniatura de los años ochentas y noventas. Era una forma de emular coches, aviones, barcos, etc. pero en pequeño y por eso era tan divertidos. Mi hermano llego a tener algunos y claro, tratamos de que nuestros padres nos comprarán uno de los "grandes" con poco éxito (caros y aparte algo sensibles al manejo brusco). Aun así, los comerciales eran chulísimos y este no es la excepción. Aun quiero el portaaviones, sniff.


-Comercial Mask Piraña, Condor y Gator Kenner México 1986 retro 80s 


¿Les he dicho que MASK es una de mis series favoritas? Pues aquí lo sigo demostrando y es que estos comerciales de la serie que rompió barreras en 1968, eran muy populares en aquellos años. Los niños querían tener un juguete de MASK, ya que podías utilizarlos de manera corriente o hacer que se convirtieran y sacaran armas, así sistemas de apoyo que los hacían aun mejores. Claro, con figurita incluída, Mi hermano y un servidor llegamos a tener algunos de estos para la navidad.


-Comerciales de Nintendo C.Itoh de 1989-1991


El mercado de los videojuegos se abrió paso de manera importante en nuestro país entre los ochentas y noventas, llegando a sustituir muchos de los juguetes clásicos. Entonces, C.Itoh o Nintendo Latinoamérica llego a hacer una agresiva campaña publicitaria que fue la fascinación de muchos, incluido un servidor. Gracias a esto, pudimos mi hermano y yo, convencer a nuestros padres de comprarnos una NES. Los comerciales entonces eran una pasada y aquí una muestra de ello.


-Comercial tix tix de sonrics 1987 


Sonric´s fue una marca que saco Sabritas para poder promocionar una serie de dulces en los años ochentas. Tuvieron bastante popularidad, ya que se enfocaban en todo tipo de sabores o presentaciones que cualquier chamaco de aquellas épocas llegaron a probar o quedar encantos. El tix tix fue bastante popular y al menos un servidor le toco probar varias de sus modalidades, como la paleta que se sumergía en el polvito que traía extra. Agridulce, como dice el mismo comercial.


-Comercial Coca Cola Dick Tracy 1990 


Dick Tracy fue esas películas "populares" de los finales de los años ochentas. Sin embargo, pese a su aspecto visual sorprendente y sus actores de primer nivel (y unos no tanto, como Madonna), la película no era tan buena. Sin embargo, muchos llegaron a verla por la publicidad que había. Coca cola aquí comenzo su moda de vasos conmemorativos (para luchar con Pepsi) y los comerciales te hacían querer verla de algún modo u otro. Claro, llegue a tener un par de vasos y otras cosillas sacadas de esta mercadotecnia.


-Comercial He Man y Skeletor Mattel 1987 


He-Man fue uno de los más grandes éxitos en caricaturas de los años ochentas. Pese a la animación churra de Filmation, la serie cosecho un gran número de fans y no hubo niño que se perdiera el show, aun con sus moralejas medio ñoñas al final del mismo. Claro, los juguetes no podían faltar y más de uno podía presumir, luego de Reyes o Navidad, tener a He-Man y Battle-Cat en sus manos. Y claro, para los más ricos, el famoso castillo de Greyskull. ¡Ya tengo el Poder!


-Promoción cascos de fútbol americano Danesa 33 1982


Danesa fue una marca de helados que fue muy popular en los años ochentas. Trato de quitarle mercado y público a los poderosos Holanda, pero fue sucumbiendo con el tiempo. No obstante, sus helados me parecían más sabrosos y aparte sus promociones igualmente divertidas, sobre todo enfocándose en un deporte que apenas estaba agarrando popularidad en los ochentas, como el futbol americano. Gracias a mi padre, llegue a tener varios de esos "cascos" de americano.


-Comercial Tupsi Pop con Cepillin 1988 


Este comercial es todo un clásico. Cepillin, el payaso, estaba con todo en aquellos años y aparecía hasta en la leche. Claro, era un buen ejemplo para los niños y les agradaba (a mi en particular no), en especial por sus canciones (Como la del "Chinito"). Y no tardo en aparecer promocionando distintos productos, como las famosas Tutsi Pop. Cepillin hoy en día esta casi retirado, pero la Tutsi sigue siendo un dulce obligatorio y que sirve para cuando no tienes más que comer a la mano.

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Saludos a mi mujer, así a quienes gustaron de aquellos hermosos y maravillosos años.

miércoles, 12 de noviembre de 2014

Interestelar: Nolan nos vuelve a dar un producto bueno, más no excelente

Al fin, luego de dos meses de ausencia, al fin mi esposa y un servidor pudimos regresar al cine. Tuvimos una "buena" racha laboral y eso nos permitió darnos un pequeño lujo, así que fuimos temprano en la mañana a disfrutar la última obra de Christopher Nolan, la famosa "Interestelar".

Debo decir que aparte me gusto la retroalimentación que tuve con esta película, no solo en base a los comentarios de mi esposa, sino también a los que posteriormente me dio mi comadre y que viene a confirmar que Nolan es un director avanzado, pero no tanto como muchos creen o esperan. Sin embargo, es el que mejor ahora conforma la ecuación de "diversión con algo de cerebro".

Sin embargo, debo decir que esta película se aleja un tanto de la tónica que el director había estado manejando en los últimos años y creo que por eso salí contento del cine, ya que si hubiera repetido lo de antes, el resulado habría sido muy distinto. Pero bueno, vamos a darle prisa a esta reseña y ver que tal me resulto este filme.

Interstellar es una película de ciencia ficción dirigida y escrita por los hermanos Christopher y Jonathan Nolan. Inspirada en el trabajo del físico teórico Kip Thorne, fue producida por Warner Bros. y Paramount Pictures a través de Syncopy Inc., compañía propiedad de Nolan y Emma Thomas. Fue estrenada el 4 de noviembre de 2014.


Antecedentes: La idea de Interestelar vino desde la filmación de “Contacto” (seh, esa película protagonizada por Jodie Foster y el entonces desconocido Matthew McConaughey). El físico asesor del filme, Kip Thorne, pensó en una idea sobre un grupo de viajeros que atravesaban un agujero negro para viajar a otras galaxias. Los productores de Contacto les gusto la idea, incluyendo a la misma Paramount y comenzaron a buscar patrocinio. Entre tanto, el director elegido fue Steven Spielberg, que se vio interesado en la primicia. Sin embargo, Spielberg abandono el cargo cuando su compañía, Dreamworks, que iba a estar en la producción, se puso de parte de Disney por otros proyectos. Mientras Paramount buscaba un sustituto, Jonathan Nolan fue contratado para hacer el guión. Este les comento a los productores sobre su hermano, Christopher, que podría ser un buen director. La Paramount acepto, pero debido a que Sincopy y Legend Pictures tenían contrato con la Warner Bros, la cosa pareció volver a torcerse. Sin embargo, las dos productoras terminaron sus negocios con la WB y se aliaron con la Paramount, lo cual le permitió a Chris Nolan tomar la dirección el proyecto.
Él mismo director se mostro encantado con el asunto. En varias entrevistas comento que una de las primeras películas que le toco de chaval fue “2001”, así que esperaba con esta, hacer un homenaje al trabajo de Kubrick (lo cual se nota y por mucho, como veremos más adelante).
Nolan hizo la filmación principal en agosto del 2013 y duro 4 meses aproximadamente. Todo basado en un guión que hizo su hermano, el cual refleja un poco su posición sobre el espacio (el escepticismo de que si realmente hemos salido de la Tierra) y sobre los últimos avances en astrofísica.
El primer tráiler apareció en diciembre del año pasado y tuvo una gran recepción, confirmándose con el tráiler completo que salió en mayo de este año. La película se estreno, entre críticas mixtas y un éxito moderado hace unos cuantos días, tanto en EUA como en México.
Primicia: En un futuro cercano, la Tierra esta al borde su autosustentación. El clima ha cambiado y grandes tormentas de polvo azotan los continentes, provocando que la escasez de alimentación sea grave. Cooper (Matthew McConaughey) es un antiguo piloto e ingeniero de la NASA, convertido en granjero y que cuida de sus dos hijos así de su suegro (John Ligthgow). En un intento de aplacar la curiosidad de su hija con un supuesto fantasma, se da cuenta de que hay una especie de clave en las apariciones del susodicho, lo cual le hace que termine en una base secreta de la NASA. Allí se entera que la Tierra no tiene futuro y que debe ser abandonada. La opción es buscar un planeta nuevo y a la par, descifrar una ecuación que permita los viajes interestelares sin necesidad de motores de combustión, sino más de tipo gravitatorios. El profesor Brand (Michael Caine) se ofrece a resolver la ecuación mientras Cooper, la hija de Brand (Anne Hathaway), dos científicos más y un par de simpáticos robots, se lanzan al espacio, justo cerca de Saturno hacia un agujero de gusano que apareció de la nada y que ofrece una galaxia con 3 a 12 planetas habitables. Antes del despegue, Cooper trata de despedirse de su hija, Murphy, con malos resultados. Sin embargo, él le promete volver, mientras Murphy irá creciendo (debido a la diferencia de tiempos por la teoría de la relatividad) y tratando de resolver la ecuación con Brand, al tanto Cooper buscará el planeta más adecuado para llevar a la raza humana a un nuevo horizonte.
Historia: El punto más fuerte, pero también el más débil de este film. La razón es que la película dura casi 3 horas, pero estas se te van volando y casi no lo notas, porque Nolan sabe imprimirle un ritmo asombroso, lo cual es una mejora con sus anteriores películas (ya que quienes hallan visto TDK y TDK Rises como Inception, notarán que las 3 eran casi igual de largas, pero había baches que te soltaban un bostezo). Acá el director supo intercalar muy bien las explicaciones con los momentos de acción como de drama, al grado que el segundo tercio de la película es asombroso, no solo por el aspecto visual, sino por las interpretaciones como el desarrollo de cada personaje. Cierto que el primer tercio, cuando Cooper interacciona con sus hijos y luego previo al viaje es bueno, pero el segundo, cuando están en el espacio y luego examinan los diferentes mundos, a la par que vemos el crecimiento físico y emocional de Murphy hasta llegar al clímax con la aparición del Dr. Mann, es brutal. Esa parte fue mi favorita y más como el director va intercalando dos escenas, en la Tierra y el otro planeta, de manera fantástica.
El problema viene con el último tercio, que aunque es igual de emocionante, técnicamente se hace muy predecible, al grado que el final en lugar de ser un buen desenlace, es demasiado feliz, demasiado tranquilo, lo cual contrasta con una película que te emociona y te hace brincar por momentos. Otro detalle que resulta un tanto fastidioso es los detalles técnicos. No es una clase de astrofísica, pero el problema es que los personajes llegan a hablar técnicamente y solo el bueno de Cooper es quien pone ejemplos un poco más claros (como cuando se pone a dibujar en una pizarra lo del agujero de gusano y como su rotación puede afectar la variación del tiempo). Y aquí es donde nos agarramos del acierto/error más gordo: la suspensión de la incredulidad. En otros filmes, Nolan se apegaba lo más posible a una realidad, pero acá, la fantasía es la clave, al grado que se avienta a especular que pasaría en una situación de cinco dimensiones o como se atravesaría un agujero de gusano. Tiene uno que ir con el chip de “ah, esto es divertido, pero no puede ser real”, sino, la película te llega a sacar un tanto de contexto.
Personajes: una de las fortalezas de la película. Acá todos salen correctos y bien delineados, pero el personaje de Cooper se lleva a muchos por la calle. McConaughey demuestra que anda en plan grande y nos da una actuación creíble, formidable y aparte muy humana. Generalmente los actores expresan sus emociones de manera muy uniforme, pero acá el buen McConaughey se avienta unas expresiones que te daban risa, pero que muchas personas tienen cuando están asustados o en peligro. Muy genuino, muy humano. Aparte, ayuda a que ha dado el viejazo en los últimos años, eso le ha restado un tanto de artificialidad pero también lo ha hecho más empático. Otra que destaca es Murphy, pero su versión chibi, interpretada por Mackenzie Foy, que realmente nos muestra a una chica lista, petulante, pero muy inteligente. Caine como la Hathaway están correctos, pero hasta allí. Inclusive, esta última podría verse sobreactuada, pero va mejorando conforme el filme va avanzando. Por cierto, la cara de palo de Matt Damon ayuda mucho a su personaje, en especial en ese momento cumbre, ya que te hace más creíble (y odioso). Como dato extra, los dos robots, TARS y CHASE son estupendos, geniales. Les agarras cariño al instante y se revelan como el gag cómico de la película.
Efectos especiales: Otro punto fuerte y tal vez el mejor, es el diseño visual, gráfico como de sonido. La película te asombra, no solo por los paisajes en la Tierra y las grandes tolvaneras, sino también por la toma de Saturno (eso me fascino), como luego el diseño de una estrella de neutrones y los diferentes planetas que visitan. Acá Nolan no quiso hacerle al estilo de Avatar de Cameron, sino se enfoco en mundos parecidos a la Tierra y a la vez no. El mundo de Miller, un enorme mar, era asombroso aunque muy peligroso, mientras que el de Mann, aunque sencillo, tenía sus detalles en especial en el hielo. Aparte, el diseño de las naves y de la misma Endurance me gusto mucho, muy funcional. Si a esto agregamos unos efectos de sonido formidables, en momentos clave, la cosa jala. Tal vez lo curioso fue cuando Cooper entra en una zona quintadimensional, que puede ser confusa, pero a la vez es bastante acertada (ya que somos seres tridimensionales). Lo único que si me pareció algo exagerado fue la aparición de la colonia espacial. Muy al estilo de Gundam, poco original y por momentos se veía en exceso el CGI. Sí, para quienes gustan del cine, notarán que la falta de sonido por momentos, era muy al estilo de Kubrick. Un claro homenaje a 2001.
Música: Pero donde se hace mayor pleitesía a Kubrick es en el aspecto musical. Aunque las críticas que he leído dicen que la música de Hans Zimmer es casi “puro grito”, se nota su poca cultura musical o fílmica de estos seudocríticos. Las viejas películas de ciencia ficción en el espacio tenían ese ingrediente, más que nada para remarcar el aspecto épico del mismo. Aquí Zimmer deja de lado los tonos que ya conocemos y se vuelve más original, más explosivo. Claro que en cierta manera ninguna de sus melodías es una maestría para ser recordada, pero esta tan adosada a la película que te impacta y remarca algunos momentos de manera formidable. Es tal vez la banda sonora más original del compositor, aunque sin tener algún leimotiv memorable. Se puede escuchar de mejor forma en la parte final, donde casi nos adentramos a los mismos terrenos de la Discovery de Odisea 2001.
Doblaje: lamentablemente, no pude ir a verla en este formato. La única función tempranera era subtitulada y aunque no me molesto en absoluto, el casting se notaba muy interesante. Ya me tocará cuando la pasen en la TV o la llegue a alquilar o comprar.


A título personal: esta película ya le tenía ganas desde que vi el tráiler hace unos meses. Sin embargo, debido a la crisis económica, temía que no pudiese verla. Por suerte, la semana previa hubo algo de ahorro y pude ir con mi mujer a disfrutarla sin restricciones. Debo decir que me gusto mucho y aparte me agrado que Nolan se alejará un poco de los tópicos que había manejado antes, aunque sigue manejando el leimotiv temático y es que hay algún tema, emoción o idea que se va repitiendo constantemente en sus películas. Si la anarquía era la clave de TDK o el amor en Inception, acá fue algo más general aunque muy común: las emociones. Esta conclusión me la hizo ver mi mujer al salir del cine, ya que comentaba que pese a que la película apela a un raciocinio elevado y conocimientos de primer nivel, los personajes se guían constantemente por sus emociones. Nada es en base a pensar mucho, sino en seguir corazonadas o sentimientos que por momentos se revelan como grandes aciertos y otros, los fallos más catastróficos. Nolan no solo hace una crítica velada al destino de la humanidad, sino como ella misma llega a tener los mejores y peores momentos gracias al sentimentalismo. Por más que se argumente la primicia de que el cerebro manda, es nuestro corazón el que finalmente toma las decisiones, en casi todo (sino en un 100%).


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Saludos a mi esposa que me acompaño a verla, así a quienes gustan de este tipo de películas :3

domingo, 9 de noviembre de 2014

La caída del Muro de Berlín: el derrumbe del comunismo

Hablar de la Caída del Muro de Berlín no solo es mencionar las protestas que hubo en 1989 y de la Perestroika instaurada por Gorbachov y que permitió la caída del Muro de Hierro que había en Europa del Este.

No, es hablar de una cantidad de acontecimientos que se fueron interconectando hasta que sucedió tal evento. Claro, este no es un blog de historia, al contrario, trato de tocar estos temas lo más sencillamente posible y también porque mi flojera es muy grande. No obstante, como aconteció con el tópico de Chernóbil, es necesario dar un cierto contexto para luego comentar el evento en sí.

Los ochentas fueron una década colorida, pero también de cambios y muy profundos. Si mucho del mundo actual esta así, es por lo que sucedió en esta década marco a la generación presente. Seh los famosos noventas, los hipsters de la década pasada o los snobs de la actual. Nah, los ochentas fueron la onda y por muchas cosas, como esta. Entonces el mundo estaba dividido en dos y no tardaría en volver a "unificarse" tal como sucedió en Alemania.


El Muro de Berlín cayó en la noche del jueves, 9 de noviembre de 1989, al viernes, 10 de noviembre de 1989, 28 años después de su construcción. La apertura del muro, conocida en Alemania con el nombre de die Wende (El Cambio), fue consecuencia de las exigencias de libertad de circulación en la ex-RDA y las evasiones constantes hacia las embajadas de capitales de países del Pacto de Praga y Varsovia y por la frontera entre Hungría y Austria, que impuso menos restricciones desde el 23 de agosto. En septiembre, más de 13.000 alemanes orientales emigraron hacia Hungría. Poco después comenzaron manifestaciones masivas en contra del gobierno de la Alemania Oriental. El líder de la RDA, Erich Honecker, renunció el 18 de octubre de 1989, siendo reemplazado por Egon Krenz pocos días más tarde.

Tras el 6 de noviembre se hizo público el proyecto de una nueva legislación para viajar, que recibió duras críticas, y el gobierno checoslovaco protestó por vías diplomáticas por el aumento de la emigración desde la RDA a través de Checoslovaquia. El SED decidió, el 7 de noviembre, regular los viajes al exterior, facilitándolos. El 9 de noviembre se promulgó un plan que permitía obtener pases para viajes de visita. Se elaboró un modelo en el Consejo de Ministros, que se decidió ese mismo día antes de las 18:00 y que debía ser publicado y difundido en forma de circular a las 4:00 siguiente por las agencias de noticias, aunque hubo una objeción al procedimiento por parte del Ministerio de Justicia. Paralelamente, el modelo del Ministerio fue estudiado y aprobado en el Comité Central.


Antes de comentar los hechos de otoño de 1989 vamos a hacer un poco de contexto al respecto.

Como bien saben, Alemania quedo partida en "dos" luego de la Segunda Guerra Mundial. Aunque originalmente el país, como Berlín, estaba repartido entre las 4 Superpotencias vencedoras (Francia, Inglaterra, URSS y EUA), EUA y URSS fueron los últimos en quedarse. La razón es que los soviéticos no querían tener un país de eje capitalista cerca de ellos y que tuviesen una nación de "colchón" que pudiera amortiguar un ataque. Mientras, EUA necesitaba alguien que espiase a los rusos. Al final, Alemania quedo dividida en dos naciones que tendrían dos sistemas distintos (Berlín, pese a estar en el bloque oriental, también tendría esta suerte).

Alemania Occidental tendría una economía de corte capitalista, mientras Alemania Oriental sería netamente comunista. Debido al miedo a una guerra, ambas naciones se vieron favorecidas de una naciente explosión económica, resultado del aumento del arsenal de EUA y la URSS, que las hizo crecer en los años cincuentas y sesentas. Sin embargo, Alemania Oriental tenía un sistema centralizado, con escasa propiedad privada, lo cual provoco una caída en la producción en años cincuentas que conllevo a una huelga de trabajadores que fue sofocada. No obstante las autoridades orientales decidieron aumentar los salarios los cuales a la larga fueron minando el sistema.

Para evitar que los alemanes orientales se contaminasen de la mentalidad occidental, en 1963 se inició la construcción de un Muro que dividiría a las dos naciones, el cual estaría vigilado a piedra y canto. Este sería el mayor símbolo de la Guerra Fría durante muchos años.

Aunque en los años setentas, debido a la crisis del petróleo, las economías orientales (como Polonia, Hungría, Rumania, etc.) se vieron favorecidas, la falta de capital y de un mayor nivel de producción, condujo a una crisis que fue orillando a las manifestaciones procapitalistas que iniciaron mayoritariamente en Polonia, gracias a Lech Walesa y el sindicato "Solidaridad".


Sin embargo, Alemania Oriental seguía siendo fiel a la URSS y para mediados de los ochentas, parecía el país que mejor orbitaria al Oso Rojo, hasta que llego Mijaíl Gorbachov a los mandos del mismo y decidió "aperturar" la URSS en un intento de que el modelo comunista siguiera en pie. Este movimiento se diversificó en dos corrientes: Perestroika y Glasnot. El primero consistía en una reforma económica que permitiese mayor mercado pero aun bajo el control del Estado y la otra, se enfocaba en una transparencia en la política y los asuntos, sin tantos secretismos pues. Esto conllevo a que Gorbachov hiciera caso omiso de las protestas o manifestaciones en contra del comunismo.

Si Polonia había entrado en crisis, le siguieron Hungría, donde la gente pugnaba por una mayor libertad, tanto económica, política, de expresión y religiosa. En la RDA (Alemania Oriental), las cosas comenzaron a tomar el mismo cariz, pero el entonces líder del partido, Erich Honecker trato de reprimir con mano dura tales manifestaciones.

Aunque parezca extraño, Honecker era un buen comunista y creía sinceramente en las bondades del sistema. Por lo tanto, vio con horror como sus imposiciones no hacían sino alentar las manifestaciones en contra. Muchos comunistas creían que el Estado era perfecto y que el adoctrinamiento político e ideológico había sido bien hecho, pero los berlíneses orientales en especial, habían experimentado el lado capitalista de sus vecinos, así el contrabando estaba a la orden del día, gracias a la corrupción de las autoridades orientales.

Las protestas se hicieron pan de todos los días y fueron en aumento, no solo en personas, sino en las ciudades participantes, todo esto ante el beneplácito de la Volkspolizei o el Stasi (la policía alemana oriental y el servicio de seguridad respectivamente). Para colmo de remates, en el seno del mismo partido comunista de Alemania Oriental (PSUA, para los cuates) también comenzó a haber fracturas, donde los miembros de línea más dura se enfrentaban a los más moderados.

Para rematar la situación, un elemento externo fue determinante: la apertura de las fronteras de Hungría con Austria.

En aquel entonces, existía un auténtico "telón" de acero en las fronteras de los países orientales con los occidentales. Nadie podía cruzar al lado occidental, salvo que fuese por una misión extraordinaria o un alto político. Sin embargo, en noviembre de 1988, Miklós Németh, fue elegido "Premiere" o líder de Hungría. Este comenzó a llevar una política reformista, pese a las oposiciones de su partido, al grado que en mayo de 1989, decidió abrir sus fronteras con Austria en varias ocasiones. La más relevante fue en agosto de 1989, cuando fue por 3 horas, que recibió el nombre de "Picnic Paneuropeo".

Tal acción hizo que muchos ciudadados de Alemania Oriental fuesen corriendo a Hungría y aprovechando esos dichosos picnics, salieran disparados hacia Austria. Se supone que el mismo Németh había ordenado a la policia militar disparar contra tales refugiados. Sin embargo, como la Volkspolizei, se hicieron de la vista gorda y una gran cantidad de orientales se piraron.
La situación provoco que muchos ciudadados se pararan frente a los controles de migración, exigiendo también su ticket de viaje hacia Austria o la Alemania Federal. Honecker trato de impedirlo endureciendo las medidas contra los permisos, pero la situación se le fue de las manos.

Ante tal crisis, Honecker fue despedido y su lugar lo tomo el moderado Egon Krenz. Ya para entonces, las manifestaciones alcanzaban entre el cuarto y el medio millón de personas, y siendo en ciudades importantes como Leipzig y Dresde.
Krenz prometió libertad, pero la gente no le creía ni jota. Para colmo, no logro evitar la migración de muchos alemanes orientales hacia Checoslovaquia, que era el paso natural para ir a Hungría y de allí a la libertad. A la par, ciudadanos checoslovacos también se atiborraron en las embajadas occidentales a pedir permisos como locos.

Para los primeros días de noviembre, la situación estaba fuera de control. Entre las manifestaciones y las migraciones a Checoslovaquia y Hungría, el Comité central del PSUA se reunió y decidió darles algo de "agua" fresca a los ciudadanos alemanes, para aplacar los ánimos y esta consistía en una medida que a primera cuenta parecía extraordinaria: el libre tránsito, bajo pasaporte, de ciudadanos de Alemania Oriental a Alemania Occidental, sin necesidad de hacer un estudio o visado extenuante.

Claro, era a la vez una trampa, porque sabían que muchos alemanes no tenían pasaporte (solo un cuarto cumplía con los requisitos). La política, que se tenía que aplicar paulatinamente, empezaría a funcionar a las 10 horas del día 10 de noviembre. Tal documento fue redactado y pulido, en la ausencia del portavoz del Comité, Günter Schabowski, el cual se encontraba en ruedas de prensa informando a los periodistas de como iban las negociaciones del PSUA.


Krenz, en la tarde del 9 de noviembre, le entrego el documento a Schabowski, pero sin decirle ni cuando ni como debía leer el susodicho. El portavoz volvió a una rueda de prensa a las 6 de la tarde y comenzo a parlotear sobre las medidas. Fue hasta casi una hora después, cuando un periodista pregunto "¿Y los papeles?", léase, lo de la documentación de tránsito. Schabowski desconcertado, leyo el papel donde afirmaba que todo ciudadano oriental podía cruzar con libertad al otro lado. El periodista volvió a preguntar ¿Y para cuando esto?

Schabowski uso la lógica y comento: "Desde ahora, claro está".

La noticia se difundió como reguero de pólvora. En cuestión de horas, los alemanes orientales se habían atiborrado sobre los controles fronterizos. Debido a la corrupción y el desorden, los guardias fronterizos no sabían que hacer, así que sellaron el pasaporte de muchos alemanes de RDA de tal forma que perdieron su ciudadanía y generaron un lío diplomático posterior.

Harald Jáger, jefe de pasaportes y de migración, estaba vuelto loco. Aunque el Stasi había dado su beneplácito, también obedecía al gobierno, el cual se había desquiciado y no sabía que hacer. Para colmo, una pareja que venía desde Alemania Federal y era de la RDA, quería volver a esta última, por sus hijos. Los gritos en la RDA eran "queremos salir", mientras en la RFA era "Vengan, vengan".

Jáger no sabía que hacer. Si alejar a los manifestantes a base de balazos o permitir la salida, pero también implicaba valorar el regreso a la RDA, lo cual significaría la caída del Muro, de manera nominal. Finalmente, el Teniente Coronel acepto y en cuestión de minutos, la gente abrió los pasos fronterizos y comenzaron a pasar, entre gritos de alegría y llanto. Se dice que familias enteras se volvieron a reencontrar, mientras estudiantes y jóvenes de ambos lados, sacaban martillos y herramientas para romper las paredes del dichoso Muro.
En Brandeburgo, la cosa estaba aun peor. Los guardias fronterizos formaron filas con armas en alto tratando de alejar a los manifestantes de los puestos. Sin embargo, la gente comenzo a escalar las paredes del Muro y algunos quisieron cruzar, siendo recibidos a chorros de agua. Finalmente, un ciudadano alemán, pese al agua, logro saltar y al instante, centenares de personas más le siguieron, llegando a lo alto. Los chorros de agua dejaron de salir, aceptando lo irremediable. Para entonces, ya era la medianoche de entre el 9 y 10 de noviembre. El Muro, había caído.


Aunque la migración más importante se dio el 10 de noviembre de 1989, el día anterior es señalado como el inicio de todo. Las anécdotas fueron muchas, los reencuentros aun más y lo que sucedió después fue aun más apasionante: o se convertía a la RDA en un país capitalista o se unificaría a la RFA. Pero como diría la tía Chona, "Eso, es otra historia".

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Saludos a mi mujer ^^ por este día, así a quienes más gustan de este tipo de historias.